Vinyyyl

Teenage Fanclub - Grand Prix (1995)

2012-02-22T17:43:00.001-02:00

Artista: Teenage Fanclub

Disco: Grand Prix

Ano: 1995

Origem: Escócia

Gênero: Powerpop

Gravadora: Paperhouse

Pra Testar: Verisimilitude

A década de 90 foi marcada por uma grande mudança de atitude: tudo aquilo que sempre foi vendido como insurreição, desde a estética punk riot grrl até o rock alternativo e seus derivados, agora se tornava apenas mais um viés da moda de costumes.

Esse diálogo é sempre insinuante.

Há quem diga que o período foi responsável pelo ressurgimento do “rock”, a retomada de um estilo de música, e antes que qualquer outra coisa, de vida. Garotos vestindo camisetas de banda (e de flanela, o primeiro legado do grunge) e gritando suas canções a plenos pulmões como se o mundo fosse acabar e nada pudesse impedi-los. Meninos deslocados encontrando num ser humano iluminado um guia para todas as suas atitudes.

Também existe quem execre todo o movimento com apelo midiático surgido no seio do submundo alternativo, pois o mesmo seria responsável por matar tudo aquilo que brotava da essência do próprio underground: a árvore seria forte e imponente e seus frutos belos pois a grande massa não infectou o solo que a sustenta e alimenta. Ou seja: o que, em tese, sustenta o underground é o próprio fato de ele ser relegado ao submundo.

Eu, no que diz respeito a esse assunto, me sinto obrigado a concordar com aquilo que me parece ser uma posição britânica: há frutos e frutos.

É, sim, possível alcançar uma amalgama de pop que seja autorreferente e também autossustentável e que não seja responsável por ferir de morte o mainstream e muito menos o underground.

Discos como esse Grand Prix, da banda britânica Teenage Fanclub, servem perfeitamente como prova para esse ponto de vista.

Grand Prix foi lançando na Terra da Rainha em 1995, logo após a morte trágica de Kurt Cobain aqui no nosso lado do atlântico. A estrutura do disco e a maneira como todas as canções foram construídas são, de certa forma, sintomáticas nesse sentido.

A essa altura do campeonato a tempestade da criação de novos modelos para o pop já havia passado. Ela teve, é claro, suas consequências. Como um furação, o início da década passou. O Teenage Fanclub fez boa música durante o período, isso é inegável, mas é como se tudo que foi apresentado ali fosse apenas fruto do caos vivido dentro do olho do furação.

E quando um furação passa nós não analisamos de pronto e durante o acontecimento todos os estragos que podem e estão sendo causados. É natural esperarmos a calmaria para que possamos tomar as atitudes necessárias.

Essa é, sem dúvidas, a palavra que melhor descreve esse Grand Prix: calmaria. Ele é o arco-íris que surge com o sol após uma longa tempestade. As sete cores que embelezam até uma paisagem relativamente destruída.

É um disco que também não procura se firmar como representante de nada, desde estilo (mesmo que seja simples classificá-lo como powerpop) até uma bandeira (a do rock independente, por exemplo). É apenas um disco pop. Ganha muito exatamente por isso.

Depois desse furacão do início dos anos 90, era extremamente necessário o surgimento de um disco desse, pois ele é responsável por organizar a bagunça, dar um norte pra certas coisas.

É claro demais para mim: quando a banda busca suas referências, ela parece realmente se importar muito mais com a música em si do que com cenas e grifes, e faz isso com uma enorme naturalidade. Visita os oitenta e os noventa de um Dinosaur Jr.; os setenta do Big Star; também passando pelos 60 do barroque pop dos Beatles e o jangle pop do Byrds.

E é um disco que revela mesmo muita coisa de duplas como Chilton e Bell, e McCartney e Lennon. Principalmente aquela tenacidade ao fazer música e a evidente personalidade pop cativante, ainda que extremamente idiossincrática.

Diante do funcionamento do disco, acho quase impossível discordar de Raymond McGinley, quando ele canta no refrão de “Verisimilitude: “I don't need an attitude. Rebellion is a platitude. I only hope the verse is good. I hate verisimilitude.” É mesmo um resumo daquilo que a década pedia em todos os sentidos. Os versos são fáceis, consequentemente, a grande maioria dos corações também.

E parece realmente que o pop não precisa de nada além do verso fácil e sincero. É assim que funciona.

John Talabot - ƒin (2012)

2012-02-17T04:11:00.002-02:00

Artista: John Talabot

Disco: ƒin

Ano: 2012

Origem: Espanha

Gênero: Deep House / Microhouse

Gravadora: Permanent Vacation

Pra Testar: "Destiny" e "Oro Y Sangre"

Há quem diga que o produtor John Talabot seja um criador de sons de verão, calorosos e iluminados, talvez pelo fato dele ser espanhol e aqui e acolá se utilizar do frescor do balearic beat em algumas faixas. Se engana, no entanto, quem o reduz à isso, porque o foco da produção de John é, antes de qualquer outra coisa, o house em sua mais essencial e pura forma (e vale ressaltar aqui que o próprio balearic é um derivado do house). Não que ele precise caber perfeitamente em um nicho pra funcionar ou se limite para tal, mas é que seu som é tão intensamente ligado ao gênero, em termos de referência, inspiração e, principalmente, feeling, que torna-se difícil escutar alguma faixa dele e não ver as cinco letrinhas "h-o-u-s-e" voando em sua direção.

O que acontece é que John é um jovem de nossa era, desses que se aprofunda em música através da internet e desbrava cada recanto daquilo que gosta - e o que ele gosta é, de fato, o nicho mais essencial e abrangente da música eletrônica. Assim como quase todo produtor que explode nos tempos recentes, ele é um desbravador sem sair do conforto do quarto, descobrindo, criando, remoldando música no seu notebook, com sintetizadores e drum machines simples e algum software de edição e criação. É de se imaginar que nessas explorações e tentativas de criação ele moldou sua música a partir daquilo que ele gosta, então não é difícil notar os traços da house music ao longo do tempo aqui.

Tudo isso seria irrelevante se não fosse a forma como ele enxerga o gênero e transmite isso no que faz - house pra ele não se divide em anos 80, 90 ou 00; não se divide em deep, micro, balearic, electro ou tech (apesar do aspecto rebuscado de seu som puxar pra os dois primeiros); não há separações aqui, ele enxerga o nicho no fundo de sua alma, de sua essência, de seu feel, e então cria o seu próprio house. Todas essa referência ao nicho como uma massa pode ser sentida, mas pra ele é um ponto de partida, o melhor lugar pra começar a desenvolver sua cria, e essa cria, certamente, não vai olhar pra trás. Ele não quer fazer música de revival ou estática, ele quer pegar todo o aparato, juntar, e empurrar adiante. Por isso, ƒin, seu disco de estréia, é uma obra de futuro e, mesmo lembrando a outros artistas (ele não precisa e nem quer esconder suas referências), capaz de soar como nenhuma outra.

Essa obra aqui foi criada com o intuito de funcionar como obra, de fazer sentido como um todo, ser o produto de um músico que teve uma idéia e decidiu desenvolvê-la com começo, meio e fim. Logo, ƒin é uma obra que explora um sentimento e uma estética específica em toda sua duração, sendo essa atmosfera explorada um tanto sombria, carregada, quase que contradizendo àqueles que insistem em chamá-lo de um produtor de meras faixas ensolaradas de balearic. Provavelmente nenhum disco pautado nos limites do house soou tão obscuro desde Black City do Matthew Dear, talvez esse seja até mais profundo e enevoado, vez que não há um apelo sexual e até os recantos mais livres são postos pra funcionar com um cuidado surreal na produção.

O mais brilhante e envolvente na obra é a maneira que ele encontra de manter essa atmosfera durante todo o disco ao mesmo tempo que vaga pela house music como se ela fosse seu enorme e diversificado playground. É uma obra que consegue ir nos extremos dos limites permitidos sem perder a coesão - uma tarefa difícil de imaginar, mas que Talabot põe aqui em prática com uma harmonia, organicidade e simplicidade tão tocantes, de um jeito tão refinado e tão colossal ao mesmo tempo, que é de dar inveja a qualquer produtor experiente e cheio de recursos.

Ele, na brincadeira de fazer música homenageando a música que ama, consegue soar próprio passando por vários terrenos: o balearic enevoado e pop de conterrâneos como o Delorean (não por acaso o vocal da banda participa de "Journeys"); as afetações psicodélicas sintetizadas de gente como Four Tet e Caribou; as odisséias do mais puro e simples pop como em "Destiny", faixa que conta com os vocais do produtor e cantor Pional e consegue, quase que de forma mágica, soar épica e intensa no meio de uma construção de batidas tão refinadas em ritmo tão simples.

Por outro lado, ele também sabe construir viagens mais atmosféricas, onde as rédeas são apertadas e sentimos ele não se soltar por inteiro pra alcançar o efeito desejado, de mistério, envolvimento, tornando o som sedutor sem que ele seja necessariamente sexy. A abertura "Depak Ine" carrega as texturas e a repetição de um techno envolvente; "Missing You", apesar de dançante, constroi uma tensão crescente envolvendo vocais distorcidos e climas psicodélicos; "Oro Y Sangre" é tão simplória em termos técnicos, tão minimalista com o uso reduzido de um sintetizador e uma drum machine, que parece difícil acreditar no efeito produzido, de algum modo funkeado e, ainda assim, capaz de assombrar e traduzir a alma do lado menos pop disco.

Pional reparece em "So Will Be Now..." e mostra o ponto central do disco, onde a afetação psych-pop se encontra com a densidade das faixas instrumentais e explode num clima tão dançante quanto etéreo. É essa a arte de John Talabot e magia de ƒin, conseguir criar, com um ponto de partida específico, um clima único que se desenvolve em caminhos tão diferentes que faz parecer pura sorte a unidade do disco ainda existir ao fim. Arrisco-me a dizer que nunca foi feito um disco de house tão desafiador, em termos de aplicar o feeling (não de complexidade ou acessibilidade) e mantê-lo tão intenso e envolvente quanto esse. Pelo menos, não na música recente.

Se Talabot for mesmo um produtor de verão, a praia na qual ele se inspira pra criar sua música está longe de ser ensolarada. É uma paisagem que, com harmonia, junta a beleza e o caos: acima do mar cristalino está uma massa negra de nuvens fazendo desmoronar uma chuva quase destruidora. ƒin é o resultado desse contraste, é onde objetos monocromáticos das mais variadas formas se encaixam com perfeição e fecham o quebra-cabeça.

Música: Mouse On Mars - "Polaroyced"

2012-02-16T10:28:00.002-02:00

Depois de seis anos sem lançar nenhum disco, o trio alemão Mouse On Mars, que marcou a era da IDM nos anos 90, irá retornar com Parastrophics no dia 28 de fevereiro. O primeiro single do disco, "Polaroyced", surpreende - apesar de ter características básicas da sonoridade do grupo, é uma faixa dançante e maximalista, cheia de efeitos desgovernados, que lembra aos trabalhos recentes dos britânicos Hudson Mohawke e Rustie. Escute-a abaixo:

Clipe: Jam City - "The Courts"

2012-02-16T10:20:00.000-02:00

O nosense vídeo abaixo, mostrando objetos aleatórios 3D dourados com um efeito de iluminação central rodando na tela (nosense nunca é demais), é o clipe pra "The Courts", nova faixa do produtor inglês Jam City que será lançada como single e terá como b-side a colaboração dele com o duo de cloud-rap Main Attrakionz. O membro do selo Night Slugs irá lançar em breve o seu disco de estréia, Classical Curves, dando continuidade ao UK funky/garage/grime com jeitão de house presente nos seus dois EPs Magic Drops e Waterworx - "The Courts" e a b-side estarão presentes na obra ainda sem data de lançamento exato. Confira:

Música: JJ DOOM - "Banished"

2012-02-16T10:07:00.001-02:00

Enquanto o disco do DOOMSTARKS (colaboração com o Ghostface Killah) ou, talvez, quem sabe, com muita sorte, o Madvillany 2 não vê a luz do dia, o mascarado do rap MF DOOM já adiantou outra colaboração e irá lançar o disco dessa empreitada em maio, sem data definida ainda. O álbum Key To The Kuffs é uma colaboração entre o rapper/produtor e o também rapper/produtor Jneiro Jarel - formando assim o JJ DOOM. Escute a primeira faixa do duo, "Banished", abaixo:

Clipe: The Rapture - "In The Grace Of Your Love"

2012-02-16T09:59:00.003-02:00

"In The Grace Of Your Love", faixa presente no último trabalho do The Rapture, ganhou agora um clipe bem simples, daqueles onde a banda toca numa sala, rolam efeitos de câmera, mudanças de iluminação e por aí vai. Confere:

Música: Ango - "No Ordinary Love"

2012-02-15T18:21:00.000-02:00

A parceria do produtor Jacques Greene com o cantor e também produtor Ango deu muito certo em "Flatline", uma das melhores faixas desse começo de ano. Pra quem gostou, agora tem mais - dessa vez o caminho é contrário: a faixa é do Ango e o colaborador é o Jacques Greene. A dupla fez um cover respeitável de "No Ordinary Love" da Sade, onde o vocal suave de Ango se encaixou perfeitamente na instrumentação R&B-com-cara-de-post-dubstep (assim como "Flatline"). Escute abaixo e tenha motivos pra esperar por algo do cantor num futuro breve:

Música: Usher - "Climax"

2012-02-15T11:26:00.001-02:00

Devo dizer que nunca fui muito fã (muito pelo contrário) do Usher e seu rave-R&B genérico, ou algo do tipo que ele costumava fazer. Mas "Climax", a faixa nova do cara que foi produzida pelo Diplo e teve arranjos instrumentais de Nico Muhly (um compositor clássico que já fez arranjos pra meio mundo de músicas que você já deve ter escutado), defnitivamente soa diferente: é sexy sem ser clichê, beira ao introspectivo, é rebuscada, leve, e enfim, soa como uma boa faixa de R&B deve soar. Seria isso o efeito pós-Weeknd no pop? Vai saber... por enquanto confere a faixa que é realmente agradável:

Música: Saschienne - "Unknown"

2012-02-15T11:13:00.001-02:00

Depois de algum tempo sem lançar nada pelo selo Kompakt, o produtor de minimal techno Sascha Funke retorna à casa pra, junto com a sua noiva Julienne Dessagne, dar vida ao projeto Saschienne. O disco do duo, Unknown, foi gravado na França e será lançado no dia 26 de março, com a proposta de juntar perfeitamente o techno vagaroso e rebuscado do cara com a voz sedutora e o piano clássico da moça. Escute a faixa título abaixo e sinta-se seduzido, de um jeitinho bem Matthew Herbert nos tempos de Bodily Functions:

Clipe: Yamantaka // Sonic Titan - "Hoshi Neko"

2012-02-15T10:58:00.002-02:00

O excêntrico grupo canadense Yamantaka // Sonic Titan lançou o clipe para "Hoshi Neko", faixa presente no debut YT // ST, uma animação em preto e branco super estilizada inspirada em videogames que busca representar a sonoridade do grupo, que junta elementos da música oriental com elementos da música pop ocidental. Confere que é bem bacana:

Clipe: EMA - "Take One Two"

2012-02-15T10:50:00.000-02:00

No dia 14 de fevereiro a EMA irá lançar "Take One Two", seu novo single. O clipe pra faixa foi lançado ontem, com gravações antigas de Erika M. Anderson e seus amigos se divertindo, nos meados dos anos 90. De acordo com a moça, o single e o vídeo são uma mensagem anti-bullying que busca mostrar aos jovens deslocados que eles devem ter orgulho de sua "estranheza" e resistir aos provocadores. Mensagem passada, confere aí:

Clipe: Jack White - "Love Interruption"

2012-02-15T10:30:00.000-02:00

Sim, o cara está de volta. Jack White, pra felicidade daqueles que ficaram orfãos do White Stripes, irá finalmente lançar o seu primeiro disco solo (coisa que a gente se pergunta como demorou tanto pra acontecer, considerando quão prolifíco é o sujeito), Blunderbluss, ainda sem data de lançamento ou maiores detalhes. O primeiro single, um simples porém gostoso blues chamado "Love Interruption", recebeu agora um clipe bem singelo e agradável, onde Jack canta ao lado da cantora Ruby Amanfu sendo registrado por uma câmera que fica constantemente mudando de foco. Assista:

Música: Light Asylum - "Shallow Tears" b/w "Genesis"

2012-02-14T23:58:00.000-02:00

Finalmente! O duo de synthpop Light Asylum anunciou a data do aguardado disco de estréia, o ST será lançado no dia 1 de maio pelo selo Mexican Summer. O primeiro single, uma versão finalizada de "Shallow Tears" (que já rodava por aí a algum tempo), já pode ser escutado, seguido de sua b-side, a instrumental "Genesis". O que esperar? Um assombroso clima, drum machines pesadas, a voz Grace-Jonística da vocalista Shannon Funchess e o jeito irreverente de lidar com o post-punk e o synthpop - tudo que caso aparecer no disco por completo, vai fazer dele um dos grandes destaques desse ano. Então confere as faixas e a tracklist (a capa é essa aqui):

01 Hour Fortress
02 Pope Will Roll
03 IPC
04 Heart of Dust
05 Sins of the Flesh
06 Angel Tongue
07 Shallow Tears
08 At Will
09 End of Days
10 A Certain Person

Artigo: uns detalhes sobre rótulos.

2012-02-14T20:40:00.002-02:00

Estoupreparando alguns artigos sobre punk, post-punk, hardcore e post-hccom intuito de desmitificar alguns pontos de equivoco existentes nosenso comum e pretendo apresentá-los aqui em um futuro não muitodistante.

Masantes de iniciar essa digressão sobre os subgêneros musicaisoriundos da riquíssima cultural punk americana e inglesa, fazem-senecessárias algumas colocações acerca de rótulos e suanecessidade.

Existemduas vertentes macros que devem ser analisadas: os rótulos quase quecientíficos e os rótulos de mercado.

Vamosao primeiro:

háuma corrente entre os ouvintes de música em geral que prega que amesma não precisa ser classificada ou colocada em nichos, poisexistem bons exemplares dela independente de qualquer classificaçãoou pressupostos delimitantes de gênero/estilo.

Aqualidade de qualquer produção realmente independe do determinadogênero à que ela pertença. Eu não pretendo negar esse fato. Masde forma alguma isso exclui a necessidade de catalogação daquiloque é produzido e disseminado dentro ou fora da indústriafonográfica pelo mundo afora apenas pelo seguinte: rótulos, emsuma, definem correntes ideológicas e um modus operandi daquilo queconsumimos, para que então possamos identificá-los através dasmanifestações desses mesmos na produção artísticas dedeterminado artista.

Tomemosaqui como exemplo um estilo que já esmiucei através de algunstextos para discos: o rock alternativo.

Orótulo rock alternativo é utilizado pelo senso comum das seguintesformas:

1- toda e qualquer banda pautada nos moldes do “rock” - ou seja:guitarra, baixo e bateria, permitindo-se também algumas poucasvariações, desde adição de teclados, sintetizadores e similaresaté a variação na quantidade de instrumentos de corda e o usoeventual de alguns instrumentos de sopro – e que faça um tipo demúsica que exija do ouvinte uma capacidade de assimilação um poucomais elaborada é classificada como rock alternativo. Ex.: Radioheadem sua fase pós-ok computer.

2– a grande maioria das bandas que trabalham com contrabando deidéias ou simplesmente a copia sumaria de conceitos oriundos do rockalternativo (quando não do estilo inteiro) são tratadas como tal etambém aliadas à categoria indie (assunto para outro artigo). Ex.:Editors, Arctic Monkeys e toda a horda de salvadores do rockbritânico.

Aescolha do rock alternativo como exemplo não foi à toa, pois essesdois são os erros mais comuns que cometemos na hora de catalogarqualquer estilo musical que seja.

Oprimeiro erro presente nos dois exemplos acima é o seguinte: é decostume geral desconsiderar a cadeia viva de construção de qualquerestilo musical e suas motivações de existência.

Apartir do momento que qualquer um de nós ignora as bases de umestilo já existente, é praticamente impossível não cometermoserros gravíssimos na hora de destacar determinados artistas ecolocá-los eu seus devidos estilos musicais.

Tantoo post-punk quanto o post-hc, os subgêneros mais conhecidospertencentes ao rock alternativo, seguem os seguintes pressupostos:

1- é necessária a relação direta com o punk/hardcore ou uma desuas vertentes de raiz (ex: o proto-punk, no caso do punk).

2– a estilização do conceito do it yourself e de diversos outrosprovenientes do punk/hardcore.

3– a adição de elementos oriundos de estilos diversos.

Apartir do momento que tentamos fazer com que o rock alternativoabarque coisas que fujam à esfera criada por esses conceitos,acabamos por perverter um estilo já definido. E é exatamente issoque acontece quando classificamos, por exemplo, o Arctic Monkeys comouma banda de rock alternativo.

Vamos,novamente, ir a fundo nesse exemplo:

-a relação mantida pelos Monkeys com o punk é indireta, diria atéinexistente.

-a relação da banda, em sua grande maioria, é apenas com opost-punk do final dos anos setenta e início dos anos oitenta,principalmente de bandas como Orange Juice e Josef K.

Portanto,eles não se configuram como uma banda de rock alternativo, pois nãomantem nenhuma relação direta com a origem do mesmo, apenas com osseus frutos.

Aquestão Radiohead, e também a do Arctic Monkeys, passa pela lógicamercadológica inerente a indústria fonográfica mundial e,consequentemente, pela segunda vertente macro que devemos analisar: orótulo de mercado.

Querendoou não, e apesar da birra que isso irá gerar na grande maioria dossimpaticíssimos fãs da banda (e digo com experiência, pois sou umdeles – apoteose, RJ, estava na grade), Radiohead é um produto,assim como qualquer banda pertencente a uma grande gravadora ou quepossua grande circulação em mídia especializada ou não.

Nósvivemos em uma época onde a visibilidade e acesso são fundamentaispara a distribuição de qualquer produto e a música não foge aessa lógica de mercado.

Pormais que o Radiohead não seja das bandas mais simples de seremassimiladas por grandes massas, ela ainda é um produto, ela aindatem valor, e consequentemente, ainda deve ser vendida – apesar derompimentos com gravadoras e afins, pois insurreição edesregramentos (ou regramentos próprios) são sim um “negócio dachina”. E para que ela seja vendida da melhor forma possível, énecessário que ela seja identificável pelo público que irá consumi-la. Daí surge a necessidade de categorizá-la como algoespecifico, pertencente a um determinado nicho. A escolha de umestilo já existente só colabora pra a perpetuação dessa lógicade mercado, pois é ele quem determina uma grife àquela banda.

Produtopronto; produto testado; produto vendendo: produto que seráintensamente massificado e copiado.

Éexatamente por isso que existem uma infinidade de revivals iguais depost-punk, shoegaze e afins. O mercado pede, logo, o mercado tem.

O“pulo do gato” para a compreensão do assunto está namentalidade de quem consome música, pois a questão é realmente aseguinte:

Opúblico que trata música como “algo mais”, que consome esseproduto com pretensões maiores (elevação de espírito,identificação, fuga, etc) x O público que consome um produto demassa de efeito fugaz.

(Eo Radiohead é a banda que melhor engloba os dois mundos: há fãsdos dois tipos)

Nãohá, em suma, que se criticar nenhuma das duas partes por suasescolhas em relação aquilo que querem ouvir, pois é aí que semanifesta a subjetividade que nós não controlamos, e também odireito de escolha e uma série de outros fatores que não podem serquantificados e, antes de tudo, qualificados.

Mashá que se fazer uma ressalva quanto ao fato de que há um problemana segunda vertente: ela perverte estilos definidos em prol de algoque, muito provavelmente, artistas pertencentes ao mesmo não dãotanto valor: o lucro.

Énotório que a irritação de muitos fãs (e até mesmo dos própriosartistas) em relação ao assunto surge por conta desse problema. Eunão gostaria de ver algo que gosto e que compartilha comigo ideias econceitos sendo pervertido apenas por uma questão de mercado.

Nomais, o que fica evidente é que se você, meu caro leitor, seimporta de verdade com música, tentará compreender a que estilocada artista pertence de fato, e não apenas se deixará levar pelamaré. E também: que rótulos, mesmo diante de qualquer discurso,são de suma importância no mundo da música.

Ouseja: guarde no armário seu discurso frágil de que rotular éerrado, pois a única coisa errada que existe em toda essa históriaprovavelmente é você.

Clipe: Burial - "Loner"

2012-02-14T18:56:00.000-02:00

"Loner", faixa de abertura do novo e excelente EP do Burial, ganhou um daqueles vídeos à lá visualizador do iTunes/Winamp/WMP, com luzes sendo picotadas e formando calendoscópios. Confira:

Quakers - "Fitta Happier"

2012-02-14T18:41:00.000-02:00

Geoff Barrow, membro do Portishead, irá lançar no dia 27 de março pelo selo Stones Throw o álbum ST de seu novo projeto de hip-hop, Quakers. O disco terá 41 faixas e foi inspirado no hip-hop underground, com uma estética bem lo-fi, e contando com a participação de vários rappers nos vocais. Confira abaixo a tracklist e a primeira faixa divulgada, "Fitta Happier", que como o nome indica, samplea "Fitter Happier" do Radiohead:

Música: Kendrick Lamar - "Cartoon & Cereal"

2012-02-14T18:32:00.001-02:00

Há quem diga que Section.80 foi uma mixtape e não um disco mesmo (sério?), então o próximo lançamento do Kendrick Lamar, Good Kid In A Mad City, será o seu primeiro disco-disco-de-verdade. Ok. Enquanto maiores informações não aparecem, escute "Cartoon & Cereal", nova faixa do rapper que foi divulgada hoje e supostamente estará no álbum:

Música: Charli XCX - "Valentine"

2012-02-14T18:25:00.000-02:00

A aposta do pop britânico Charli XCX liberou hoje uma nova faixa especial pro dia dos namorados, chamada "Valentine", com synths doces, melodia grudenta e a sua voz marcante. Não tão especial quanto seus dois singles anteriores, mas vale a conferida:

Música: Objekt - "Cactus" b/w "Porcupine"

2012-02-14T01:52:00.001-02:00

O produtor alemão Objekt lançou semana passada pelo selo Hessle Audio o seu novo single "Cactus" acompanhado pela b-side "Porcupine". Enquanto a faixa principal é um dubstep penetrante porém padrão, bem semelhante ao que era feito na primeira leva do gênero (indo contra a tendência atual que é distorcer e misturar tudo), a b-side é um techno fervente que pega alguns elementos da bass music emprestado mas termina por ser, em essência, uma faixa de techno mesmo - envolvente, cheia de texturas e prazerosamente repetitiva em suas batidas. Confere as duas, respectivamente:

Clipe: Frankie Rose - "Gospel/Grace"

2012-02-13T22:03:00.002-02:00

A Frankie Rose que se prepara para o lançamento de seu novo álbum divulgou hoje o clipe para "Gospel/Grace", com imagens espaciais misturadas à guitarras e dançarinas, capturando bem o nome da obra, Interstellar. A faixa, como esperado, é uma boa continuação da referência ao pop oitentista sem cair no lugar comum - confere:

Clipe: Porcelain Raft - "Something In Between"

2012-02-13T21:54:00.001-02:00

Quem também lançou um video pra acompanhar uma outtake do disco foi o Porcelain Raft, com "Something In Between", uma bela faixa que não figurou no agradável Strange Weekend e é ilustrada com imagens que parecem muito com as do clipe de "Unless You Speak From Your Heart". Confere:

Música: Chromatics - "Into The Black"

2012-02-13T21:27:00.005-02:00

O projeto de synthpop Chromatics, do qual Johnny Jewel faz parte, ira lançar seu novo disco, Kill For Love, pelo selo Italians Do It Better - sem data de lançamento ainda. Depois de "Kill For Love", o segundo single foi divulgado, "Into The Black", um cover sintético e melancólico de "Hey Hey My My" do Neil Young. Confira a bela versão abaixo e pegue a tracklist do álbum:

01 Into the Black
02 Kill for Love
03 Back From the Grave
04 These Streets Will Never Look the Same
05 At Your Door
06 Lady
07 Flashback
08 Running From the Sun
09 Dust to Dust
10 Birds of Paradise
11 Electricity
12 Baby
13 The River

Clipe: Ital - "The Crying Game"

2012-02-13T21:13:00.002-02:00

O produtor nova iorquino Ital lançou essa semana pelo selo Planet Mu o seu debut album, Hive Mind, onde explora o house de um jeito bem atmosférico e psicodélico em longas faixas. "The Crying Game" é uma outtake do disco que hoje ganhou um clipe, com gravações de pessoas em vermelho saturado - vale a pena conferir mais pela faixa:

Clipe: Au Palais - "Tender Mercy"

2012-02-13T21:06:00.000-02:00

Confira abaixo o clipe pra "Tender Mercy", faixa de destaque do EP de mesmo nome que o duo de electropop lançou no fim do ano passado, com imagens iluminadas da dupla correndo por aí até se encontrar no final em meio a uma explosão de fogos:

Música: Killer Mike - "Big Beast"

2012-02-13T15:34:00.003-02:00

No dia 15 de maio o rapper Killer Mike irá lançar R.A.P. Music, seu novo disco, produzido pelo El-P e com participações do próprio El-P, do T.I., dentre outros. Abaixo você confere o primeiro single da obra "Big Beast", marcado pelas beats pesadas e pelos efeitos surpresa que a gente espera da produção do El-P. Escuta e pega a tracklist:

01 Big Beast [ft. Bun B, T.I., and Trouble]
02 Untitled [ft. Scar]
03 Go!
04 Southern Fried
05 Jo Jo's Chillin
06 Reagan
07 Don't Die
08 Ghetto Gospel
09 Butane (Champion's Anthem) [ft. El-P]
10 Anywhere But Here [ft. Emily Panic]
11. Willie Burke Sherwood
12 R.A.P. Music

Música: Burial - "Kindred"

2012-02-12T21:28:00.002-02:00

Essa semana o novo EP do mestre do dubstep/garage atmosférico Burial será lançado ~~já vazou~~, nomeado Kindred e com três faixas. Abaixo você confere a faixa-título, uma odisséia de quase 12 minutos pelo estilo de produção que já é uma marca do produtor e que ele parece tornar melhor e melhor a cada novo lançamento - reverbs atmosféricos, um clima nefasto tomando conta de cada recanto da faixa, ruídos de vinil e muita melancolia misturada a beats rápidos de 2-step. Nem é preciso dizer que além de belo é uma parada obrigatória, não é? Então confere e logo depois pega a tracklist:

01 Loner

02 Kindred

03 Ashtray Wasp

R.I.P. Whitney Houston

2012-02-11T23:19:00.000-02:00

*1963 - †2012

Artigo: Um dubstep que não existe

2012-02-11T13:26:00.000-02:00

Se você usa internet a mais de um mês é quase uma certeza que você já se deparou com a palavra "dubstep" por aí, muito possivelmente em um "dubstep remix" no youtube ou, pior, alguma discussão envolvendo o produtor Skrillex. Não é surpresa alguma a explosão de sucesso do gênero e sua incorporação pelo pop mainstream - e estaria tudo ocorrendo naturalmente (independente de ser bom ou ruim, o movimento era esperado) se de fato houvesse alguma ligação entre o que a maior parte das pessoas acham que o dubstep é e o que ele realmente é. Não há. Esse uso errado do nome do gênero e a igualmente errada interpretação do que ele significa seria uma coisa irrelevante se não fosse, na prática, algo que pouco a pouco está destruindo o dubstep de fato: "dubstep" tornou-se uma palavra suja dentre os fãs de música eletrônica (incluindo até quem sabe de toda história) e os próprios produtores, o futuro a partir daí tornou-se incerto e confuso, mas certamente a situação é um incômodo pra quem era adepto do real gênero antes da apropriação dele pelo mercado americano.

Pessoalmente, é algo que me incomoda, e talvez por isso eu esteja discutindo a problemática nesse confuso artigo - tentarei, de qualquer forma, não soar elitista ou enfezado (o que pode acontecer sem que eu note) ao explicar onde mora o erro em chamar o que essa nova geração de DJs de rave fazem de "dubstep". Para isso, alguns passos são necessários: notar a necessidade do uso de nomes para definir música (no caso de alguém ainda não ter noção disso), entender o que foi e o que é o dubstep e também o que não é (e insistem em nomear).

Falar sobre a utilidade de dividir música em gêneros é algo quase desnecessário pra quem consome música de um modo compulsivo, mas vez que esse texto está aqui pra todos, é melhor colocar os pingos nos "is" antes que alguém contra-argumente usando como base aquela velha máxima "gêneros não importam se a música for boa". Não que eu discorde, mas existe uma diferença entre depender de nomes pra gostar de música (o que geralmente existe entre adolescentes) e saber que eles existem e podem ser usados de uma maneira coerente. Dizer que gêneros não existem é como dizer que techno e folk são a mesma coisa - e aí mora o perigo em não saber do que se fala e nomear erroneamente um estilo sonoro. Precisamos dividir pra ter noção do todo, e assim como os gêneros surgem do nada através de mutações de outros gêneros, os nomes a eles dados também; é melhor aceitar esse fato do que tentar ir contra ele. Dubstep existe, define (até certo ponto) uma maneira de produzir música, e ainda que não comprometa de fato a audição, usar o nome pra definir uma música que não se enquadra no gênero é, além de irritante, um ato ignorante - tente levar à sério alguém que realmente chame Sex Pistols de rock progressivo.

Feitas essas primeiras considerações, vamos ao que importa: o que é de fato esse tal de dubstep e de onde ele vem? Essas respostas podem ser facilmente encontradas com uma pesquisa até superficial, mas ficam mais claras através da compreensão da situação que se encontrava a cena eletrônica inglesa no fim dos anos 90: o drum & bass morria lentamente depois da apropriação do mainstream (que irônico, não?) e dava lugar ao grime e ao 2-step, derivados do UK garage (que por sua vez é um derivado do house) que eram uma espécie de música dançante com nuances atmosféricas e sombrias, usadas num contexto urbanizado e podendo se fundir com vocais de R&B, samplers e rap (dai nascendo o grime em sua forma mais conhecida, tendo no rave-rap do Dizzee Rascal o seu maior expoente). Na tentativa de tornar o clima da mistura mais atmosférica e obsessiva do que o que comum, alguns produtores começaram a misturar as coisas (naturalmente) e pouco a pouco, com a adição dos resquicíos de drum & bass e do dub techno, o dubstep começou a tomar forma - em suma, um estilo instrumental de música eletrônica misturando 2-step beats e dub techno, criando trilhas crescentes, atmosféricas e sombrias pra caberem no contexto do underground urbano inglês.

Foi questão de tempo até se tornar um estouro dentro do nicho eletrônico e começar a se tornar conhecido, acontecimento que ocorreu graças à Rinse FM, a rádio pirata que foi a primeira a disseminar esses estilos emergentes do undergound para toda a Inglaterra. De singles, remixes e misturas, começaram a nascer os produtores focados em dar forma ao dubstep e criar discos pro gênero ao invés de apenas faixas de rádio - o consenso geral aponta que o primeiro disco de dubstep foi o In Fine Style do trio Horsepower Productions, lançado em 2002 e ainda bem indefinido entre os estilos da época, dá pra classificar como grime, UK garage e dubstep ao mesmo tempo.

Desse ponto em diante, é claro que as coisas começaram a ficar mais bem definidas - nascia o selo Hyperdub (o primeiro focado no nicho) fundado pelo produtor Kode9, os produtores já estavam confortáveis com o gênero e livres pra brincar com ele, e uma coisa já havia se tornado uma marca, coisa que é a grande criadora da problemática hoje existente: o wobble. Das misturas supracitadas esse efeito surgiu e tornou-se a base do dubstep, o baixo eletrônico arrastado e trêmulo, capaz de fazer as caixas de som vibrarem com intensidade e entorpecer o ouvinte. É mais do que claro que isso é apenas um efeito - o dubstep como gênero não é apenas o wobble, é a atmosfera já definida que pode, caso desejar, se utilizar de tal efeito. O dubstep "clássico" tinha quase a obrigação de utilizar o wobble (e talvez daí venha essa ligação tão umbilical), mas os desemembramentos mais recentes do gênero podem abrir mão do efeito e se focar mais no clima como um todo através de outros truques.

Desmembramento é uma palvra chave ao falar de dubstep, na verdade. Assim como todo gênero eletrônico, a velocidade de mutação do estilo sonoro é imensamente mais rápida do que a de "gêneros orgânicos", em muito pouco tempo aquele dubstep original da primeira leva já havia sido distorcido, mutado, transformado em algo com um apelo e uma superficie sonora muito diferentes, mas mantendo a essência, o espírito, que estava originalmente presente lá. Não surpreendeu que pouco a pouco esse dubstep começou a ganhar versões mais dançantes e menos focadas em criar uma atmosfera; muito diferente do Vex'd e do Kode9, novos produtores como o Skream e o Benga tinham um apelo levemente comercial, mais coerente com o contexto de um clube do que o de um home listening - só que faziam isso sem destruir a essência do gênero.

Produtores como Rusko podem, assim, serem tratados como os primeiros a dar rumos perigosos ao nicho - viram o potencial comercial do dubstep e começaram a utilizá-lo sem muito cuidado, criando odisséias de wobbles que não vão muito além disso - o tipo de apelo agressivo que conquistou os produtores de rave americanos e os ouvintes menos exigentes de música eletrônica. Começou assim a obsessão pelo "bass drop", o movimento responsável pela confusão com o que não é e o que é dubstep.

O mercado americano dos clubes movimentados, raves lotadas e DJ superstars conseguiu, pouco a pouco, se apropriar desse efeito pelo potencial que ele tinha de mover uma geração sedenta por uma catarase de emoções infundada, a geração "bass drop" nascia e não levou muito tempo até que o wobble aparecesse em músicas da Britney Spears. O grande problema é que essa ramificação "mainstreamizada" do dubstep pouco tem a ver com o dubstep de fato, vai totalmente contra o ethos do gênero e sequer pode ser enquadrado dentro dele. Usar wobble não torna uma música automaticamente dubstep assim como usar cowbell não torna uma música automaticamente um dance-punk à lá LCD Soundsystem. É um mero efeito. Logo, sem questionar a qualidade da coisa, essa mistura de electro-house, breakbeats, industrial e wobbles que a maior parte das pessoas conhece por dubstep de dubstep não tem nada - e aí se justifica o movimento contrário à essa apropriação do nome, com o surgimento de termos como "brostep" pra definir a aberração que havia sido criada.

Não me sinto no direito de dizer aqui o que as pessoas devem ouvir, minha reclamação é, então, unicamente pelo uso do termo "dubstep" num contexto distorcido. Na verdade, as pessoas que apreciam o pseudo-dubstep não gostam do dubstep de fato, porque a atmosfera é totalmente diferente e não existe o apelo agressivo, cheio de testosterona, a catarase de raiva infundada que eles buscam e jamais encontrariam numa faixa de música eletrônica que explora sentimentos de uma maneira bem mais criativa e pensada. É facil entender porque isso acontece e porque gente como o James Blake, que distorce o gênero pra um lado oposto, faz críticas como essa.

O backlash ao "brostep", pra nossa felicidade, não ocorre apenas no reino dos nomes - o próprio gênero se fechou e se trasnformou em algo completamente diferente quase que como um movimento de revolta contra a "vertente" abusiva que havia nascido. O ponto chave pra essa transformação é o disco Untrue do Burial, uma obra que pega o dubstep e o UK garage e eleva a outro nível de sensibilidade, com um apelo mais experimental e voltado pra catarase emocional através da criação de tons cinzentos, atmosferas sombrias e o penetrante uso de samplers vocais de R&B. "Archangel" foi a primeira faixa de dubstep que eu escutei, e eu me apaixonei por ela exatamente porque sua intenção e aplicação caminha pra um lado mais pensado, criativo e emocional do nicho.

Desde 2008, com o impacto que tal disco causou no dubstep, as coisas não são mais as mesmas: enquanto um efeito do gênero é usado no mainstream num contexto irracional, a transformação do nicho original caminhou pra um lado mais sentimental e até organico. Vieram então o post-dubstep, o future garage e as fusões com outros gêneros que desaguam em coisas como o wonky e o footwork - a mistura de gêneros e a liberdade de criação tornou-se tão intensa que "bass music" foi o nome usado como saída pra definir artistas criando sons que precisariam de gêneros próprios pra serem definidos de fato.

Graças ao Guido, o Mount Kimbie, o James Blake e uma infinidade de novos produtores (é muita gente mesmo), podemos dizer que o dubstep real não morreu e continua vivo em essência, só que apresentado de uma forma até mais livre e interessante, num contexto praticamente sem barreiras. Nessa bagunça, até o pop conseguiu se aproveitar das transformações de um modo criativo - dois discos do ano passado não me deixam mentir: SBTRKT e On A Mission.

Ainda há muito pra onde se caminhar e muito a ser descoberto, o "brostep" não está de fato destruindo o nicho que se transforma a cada segundo, mas certamente é válido aprender a diferenciar as coisas e usar com consciência - é bom pensar duas vezes antes de chamar um modem com indigestão de dubstep, é ofensivo e errado, além de corroer o ethos real do nome e do gênero.

Pra finalizar, deixo abaixo três faixas de dubstep desse comecinho de 2012 que provam que o gênero além de não estar morto, continua firme, forte, e sendo a casa de tudo o que esses DJs superstars não são - produtores criativos, intensos, com mentes pensantes em funcionamento.

Benjamin Damage & Doc Daneeka - "Halo":

Jacques Greene - "Flatline":

Goth-Trad - "Air Breaker":

Clipe: Bonobo - "Eyesdown (Machinedrum Remix)"

2012-02-11T10:53:00.000-02:00

No dia 13 de fevereiro será lançada a versão remixada de Black Sands, último disco do produtor de downtempo Bonobo. Uma das versões retrabalhadas ficou por conta do Machinedrum, que recriou "Eyesdown" à lá footwork resultando numa empolgante e dançante faixa - acompanhada agora pela surreal e fantástica animação criada por Anthony Schepperd que você confere abaixo, incrível:

Live: Sharon Van Etten no A Take Away Show

2012-02-10T23:38:00.002-02:00

É difícil não se apaixonar pelas gravações intimistas do site francês La Blogothèque nas sessões A Take Away Show - mais difícil ainda se for a bela Sharon Van Etten a se apresentar, cantando "One Day" e "Love More" de seu disco Epic e "All I Can" e "Give Out" do seu recentemente lançado e excelente Tramp (que nós recomendamos aqui). A gravação é de 2010, então dá pra deduzir que algumas músicas de Tramp já estavam no repertório da moça a algum tempo - no mais, eis uma maravilhosa forma de iniciar esse fim de semana:

Clipe: Julia Holter - "Für Felix"

2012-02-10T23:21:00.000-02:00

Enquanto esperamos pelo ~~vazamento~~ lançamento de Ekstasis, novo disco da Julia Holter, podemos assistir o clipe postado em 2008 pra "Für Felix", faixa que deve ter sido "recalchutada" pra aprecer na obra e que se não foi, já é suficientemente agradável da forma que está aí - um dream pop atmosférico com nuances de música clássica ao fundo que é bem característico da moça. Confira:

Música: Screaming Females - "It All Means Nothing"

2012-02-10T20:16:00.002-02:00

Falamos aqui do anuncio de Ugly, novo disco do trio punk Screaming Females produzido pelo Steve Albini - agora está na hora de escutar o primeiro take do disco, "It All Means Nothing", e se deliciar com uma agradável onda de guitarras com um jeitinho bem Sleater-Kinney de ser. Confere:

Live: Bon Iver e The Roots tocam "Perth" no Fallon

2012-02-09T23:45:00.002-02:00

O Bon Iver, que recentemente se apresentou no programa do Fallon, fez por lá uma versão especial de "Perth" que não foi ao ar mas está disponível agora na internet - Justin Vernon se juntou ao The Roots e transformou a faixa numa grande jam que foi de um soft-rock cheio de auto-tune a nuances de funk. Coisa bem bonita, não deixe de assistir:

Clipe: Jay-Z & Kanye West - "Niggas In Paris"

2012-02-09T15:19:00.000-02:00

Finalmente está disponível o aguardado clipe pra excelente "Niggas In Paris", presente na colaboração Watch The Throne, do Jay-Z com o Kanye West - feito usando o áudio e as imagens de um ao vivo do duo, criando clendoscópios épicos e, enfim, tornando mais awesome ainda a faixa que cravou em 2011 os versos "that shit cray" e "ball so hard". Tudo muito gigante, ultra-moderno e cheio de efeitos, do jeito que a dupla gosta, e que a gente também - confere:

Chairlift - Something (2012)

2012-02-09T15:01:00.001-02:00

Artista: Chairlift

Disco: Something
Ano: 2012

Origem: EUA

Gênero: Synthpop

Gravadora: Young Turks

Pra Testar: "Sidewalk Safari" e "Take It Out On Me"

Recentemente me peguei pensando sobre os anos 80 e como a maior parte das pessoas "fanáticas" por música gostam de encarar a época: um período conturbado, cheio de exageros, que por um lado nos rendeu obras obscuras e que possibilitaram o nascimento do rock alternativo, mas por outro criou, descaradamente, a "música comercial" (não que ela não existisse antes), o fácil demais, uma execução que ia quase inteiramente contra a política artsy e progressiva dos anos 70. Essa visão é, claramente, elitista e limitada - e eu, sendo um desses que gosta de abraçar a "ótica popista" (como diz o Danilo por aqui), pouco a pouco venho notado como essa exaltação da complexidade pela complexidade é uma grande falácia; os anos 80, ao contrário do que se diz, permitiu o nascimento da música pop como coisa realmente pop, como cultura de massa que funciona dentro de seu próprio universo, sem a preocupação de estar dentro ou não de domínios artísticos pré-validados.

Esse é um debate longo que pode se ramificar em vários outros temas, mas toquei nessa visão aqui, brevemente, pelo simples motivo de que senti esse espírito oitentista, de pop livre que existe dentro de seu próprio mundo, no novo disco do duo Chairlift, Something. A obra pega, sem nenhuma camuflagem, a década como referência - mas ao invés de simplesmente se utilizar dela pra recriar clichês ou abusar de nostalgias superficais, captura o que há de mais essencial: muito além dos sintetizadores reverberantes e guitarras dançantes, eles capturam a alma do pop, de criar canções que, ainda que ligadas à sua época, funcionam como hinos eternos, sentimentais, fáceis e dependentes de melodias grudentas e versos simples. Eles não tem medo de soarem superficiais, de serem pop de rádio, pelo contrário - sabem como esse nicho funciona e se utilizam dele pra criar uma obra intensa que, como o próprio duo afirmou, tem a intenção de reunir canções que qualquer criança pode escutar por aí e se indentificar.

Não espere então por experimentalismos ou intenções de recriar o pop e expandir limites, o que eles querem fazer são boas e leves canções sobre estarem apaixonados, pegando sem nenhum receio as referências sonoras da época e aplicando com a vontade de criar música que quer existir independente de seu tempo, não são sons que querem nos levar de volta aos anos 80, assim como não buscam nos impulsionar pra um futuro, querem apenas existir e funcionar como arma pra o objetivo de Caroline Polachek e Patrick Wimberly. Esse objetivo, por mais não-ambicioso que seja, é executado aqui com uma vontade e uma vivacidade tão exuberantes que se afastam totalmente do debut anêmico do ex-trio - as canções são tão bem produzidas e adoráveis que a úlitma coisa que elas nos lembram é de um julgamento com base em originalidade ou futurismo, é o pop entrando em funcionamento, assim como aconteceu no gracioso In Heaven do Twin Sister ano passado.

É curioso observar como um disco tão livre e desproposital consegue funcionar no sistema de um álbum, há uma semelhança entre os sons que percorrem as faixas, dos sintetizadores distorcidos (como em "Sidewalk Safari") às guitarras que poderiam ter saido de um disco do Stone Roses ("Met Before" beira à psicodelia), mas ao mesmo tempo o duo consegue manobrar o uso das referências e criar ao longo da obra momentos diferentes, indo de baladas dançantes à lamentos pop que chegam a parecer sofridos - "Take It Out On Me" em seu refrão chega a ser dolorido enquanto "Cool As A Fire" é um soft-pop nublado que daria orgulho à Kate Bush. No topo de cada nuance dessas um elemento é crucial, Caroline e sua voz brevemente sedutora, que sabe se encaixar quase como uma luva no meio das variações do disco.

Há também, é claro, uma espécie de indentidade que se cria nas letras escritas pelo duo - cada verso parece querer abraçar sentimentos universais de uma maneira exageradamente fácil, só que essa própria facilidade é o que permite o charme das canções, podendo ir de aplicações surreais, como a dançante "Amanaemonesia", passando por pequenas doses de dores e chegando em pontos espirituosos - em "Sidewalk Safari" é hilariante a comparação entre uma caça sentimental e uma caça real, onde Caroline, empolgada, diz que veneno é um truque muito velho e matar usando um carro em alta velocidade combina muito mais com sua persona.

São desses pequenos momentos, dessas pequenas capturas de sentimentos e expressões de pop espirituoso sem tempo definido, que Something se constrói, resultando no fim em um disco que nos daria orgulho caso de fato tocasse no rádio tanto quanto referencia as músicas que habitam (ou habitavam) esse terreno. Não dá pra exigir muito de uma obra dessas, quando a própria intenção dela é alcançada por não ser muito complicada - mas é a maneira como o duo manobra o que poderia ser só mais um disco de synthpop que realmente brilha aqui, porque canções tão deliciosas como "Wrong Opinion" não acontecem com tanta facilidade quanto se imagina. Nos resta então desejar mais ambição pra eles na próxima vez.

Ainda que como um disco completo Something não seja tão exuberante (talvez pela falta de faixas mais marcantes e obsessivas), certamente muitas coisas aqui são agradáveis e leves o suficiente pra conquistar até os mais elitistas - é difícil não se apaixonar por essas canções tão apaixonantes sobre estar apaixonado, e não há política anti-rádio que consiga evitar esse sentimento.

Música: Kavinsky - "RoadGame"

2012-02-09T12:41:00.001-02:00

Depois de mais de uma década em atividade fazendo singles, EPs, remixes e soundtracks, o produtor francês Kavinsky finalmente planeja lançar seu disco de estréia, claramente impulsionado pelo sucesso de "Nightcall", faixa presente na soundtrack de Drive. O disco ainda não tem nome, data de lançamento ou maiores detalhes, mas uma faixa já foi liberada pra audição, "RoadGame", que assim como "Nightcall", reutiliza sintetizadores retrôs oitentistas pra criar um clima bem característico do pop eletrônico francês - vale uma conferida:

Em streaming: Phèdre - Phèdre

2012-02-09T00:04:00.003-02:00

O grupo de avant-pop com jeitinho de hipnagógico Phèdre, que virou notícia semana passada com o clipe de "In Decay", irá lançar seu disco de estréia ST no dia 14 de fevereiro. A obra, que é inspirada em passagens da mitologia grega, já está em streaming pelo soundcloud - muito recomendada pra quem curte os exageros de reverb e nostalgia distorcida do Ariel Pink e do John Maus. Confere ~~enquanto não aparece um link pra baixar~~:

Música: Nite Jewel - "In The Dark"

2012-02-08T23:51:00.001-02:00

No dia 3 de março a cantora e produtora Ramona Gonzalez, sob o nome Nite Jewel, irá lançar seu novo disco, One Second Of Love. O soft-electropop que a moça explora no álbum já foi conferido na faixa título e em "She's Always Watching You" - agora é a vez de mais uma música, a lenta balada "In The Dark", ser escutada; uma romântica canção que vai bem com o estilo da moça. Escute a faixa e também confira a tracklist do álbum:

01 This Story
02 One Second of Love
03 She's Always Watching You
04 Mind & Eyes
05 In the Dark
06 Memory, Man
07 Unearthly Delights
08 No I Don't
09 Autograph
10 Clive

Live: M83 no Carson Daly

2012-02-08T23:37:00.002-02:00

Hurry Up, We're Dreaming, apesar de ser um disco excelente, recebeu algumas criticas negativas por aí - mas é inegável que o apelo pop das canções do disco rendeu um M83 ao vivo muito mais enérgico do que o de costume. Se são necessárias provas, fiquem com a banda tocando "Steve McQueen" e "Intro", com participação da Zola Jesus, no programa Carson Daly, coisa mágica até pra quem não gostou muito das versões de estúdio:

Clipe: St. Vincent - "Cheerleader"

2012-02-08T23:13:00.004-02:00

O novo clipe da St. Vincent vai pra excelente "Cheerleader", presente em seu último e igualmente excelente álbum Strange Mercy - no trágico vídeo a nossa musa vira, literalmente, uma obra de arte em uma instalaçao, confere que é belo:

Clipe: Cults - "You Know What I Mean"

2012-02-08T23:08:00.003-02:00

"You Know What I Mean", um dos destaques do debut do Cults, ganhou um trágico clipe onde o casal tem que lidar com um acidente ocorrido numa manobra circense. Bonitinho, assim como a faixa, confere:

Música: Here We Go Magic - "Make Up Your Mind"

2012-02-08T22:59:00.001-02:00

A banda de psych-folk Here We Go Magic anunciou essa semana seu terceiro álbum de estúdio, A Different Ship, produzido por Nigel Godrich (sim, aquele do Radiohead), a ser lançado no dia 8 de maio. Abaixo você confere a primeira e calorosa faixa a ser divulgada, "Make Up Your Mind", que dá continuidade ao estilo que marcou os dois primeiros discos da banda, só que de um jeito muito mais polido e tão agradável quanto (pega a tracklist também):

01 Intro
02 Hard to Be Close
03 Make Up Your Mind
04 Alone but Moving
05 I Believe in Action
06 Over the Ocean
07 Made to Be Old
08 How Do I Know
09 Miracle of Mary
10 A Different Ship

Clipe: Scuba - "The Hope"

2012-02-08T14:34:00.001-02:00

Falamos aqui de "The Hope", novo single do produtor inglês Scuba - agora fiquem com o clipe, misturando imagens encontradas de filmes antigos, elefantes embaixo d'água e pessoas danaçando:

Of Montreal - Paralytic Stalks (2012)

2012-02-08T14:33:00.002-02:00

Artista: of Montreal

Disco: Paralytic Stalks

Ano: 2012

Gênero: Psicodelia / Folk

Gravadora: Polyvinyl

Pra testar: "Spiteful Intervation" e "Dour Percetage"

Em False Priest (2010), Kevin Barnes havia deixado de lado os sintetizadores para nos mostrar a cerne crua do of Montreal. O novo, Paralyctic Stalkes, parece começar pela obviedade: é o disco que retorna quase solenemente à única obra-prima que eles gravaram (Hissing Fauna, Are you the Destroyer? de 2007).

Não há duvidas de que Barnes resolveu tomar de novo esse rumo, porém não espere que a coisa soe tão fácil assim. É sim um retorno, mas não totalmente estático; este aqui é um dos discos mais descontrolados e neuróticos que o of Montreal gravou. É como se Barnes voltasse a uma mesma estrada para de novo percorrer um caminho que se apaixonou, dessa vez mais experiente, o homem conduz pelas curvas sem pisar nos freios, entrando sem cautela, sem medo de encontrar a morte na virada seguinte.

E assim, Paralytic Stalkes, ganha vida. Um bicho feio e esquizofrênico, gravado por uma banda que, a essa altura (estão por essas estradas aí desde os anos 90), não se intimida com mais nada. Por isso, talvez, este soe como o capítulo mais sombrio na história da banda – “it’s fucking sad that we need a tragedy to gain a new perspective in our lives” comenta Barnes em Spiteful Intervetion -, o pedaço da epopeia em que nosso heroi pára para entender seus próprios defeitos como songwriter. Para cada apito novo, Barnes restaura alguma partícula antiga (estratégia semelhante à de Nine Types of Light do TV on the Radio) – um pé na frente e outro atrás.

É como se of Montreal empurrasse a danceteria para dentro do liquidificador e, intencionalmente, acabasse se afastando das pistas de dança. Talking Heads e David Bowie se transformam num caos sonoro, num bichão bizarro de mil e uma cabeça, assobiando ora sons estranhos ora confortáveis.

Se False Priest entendiasse como um disco pop, optando por refrões e riffs, este novo se entende como um projeto. Uma espécie de caleidoscópio falsamente country, retrô e eletrônico – na visão de um daltônico recém curado. Sem desvios, o que Barnes perde em concisão e elegância (não dá para dizer que Stalks consegue ter algo tão significativo e pensado quanto Hissing Fauna), ele ganha em histeria. Aqui as faixas nunca ficam estáticas. Os grandes experimentos do of Montreal dessa vez estão justamente na figura de Barnes. Tão surtado quanto o ritmo frenético como as canções transmutam – da ziquizira cacofônica ao conforto de um violão folk, do grito mais agoniado ao suspiro mais sincero.

Fica fácil entender porque canções tão imprecisas se tornam metralhadoras de emoções: Barnes não está nem aí para formas e opções, como eu disse antes, nada mais assusta o rapaz (a não ser sua própria vida: “I spend my waking hours wauting me on life”). É quase como se enfim, Kevin pudesse gravar seu disco favorito: “you have your own personal ghetto, but no one’s forcing you to stay there” se auto-flagela numa curva deDour Percentage. No próprio processo torto do disco, o artista vai se atacando, como se fizesse pouco de si mesmo. Mas é tudo tão masoquistamente delicioso: "I made the one I love start crying tonight and It felt good".

Na falta de uma explicação mais clara, é o disco mais gay que eles gravaram (na frente inclusive de The Gay Parade). Demonstra uma banda em total conforto consigo mesma, mas numa imperfeita necessidade de compreender-se no mundo. E ai dá para entender porque o drama do personagem de Ye, Renew the Plaintiff soa tão verdadeiro, quase erótico: “Oh Nina, how can I defend myself against this world?”. E, bem, Nina aguenta a pressão do companheiro durante toda a música (Barnes clama o nome dela diversas vezes, como se estivesse sendo esfaqueado), ele desconta tudo na moça, mas no fundo quer nos fazer pagar, cobrar de nós, o público que o aguarda, a explicação por continuar a não se encontrar: “I should be happy but, what I feel is corrupted, broken, impotent and insane”.

O fim do álbum chega quase como um brisa. O furacão passou. Acaba e ficamos sem entender nadinha. Depois de duzentas trocas de sexo, quem é Kevin Barnes? A pergunta parece ser inútil. A brincadeira é continuar no caos: lembrem-se que a música que encerrava o disco de 2007 chamava We Were Born The Mutants Again With Leafling. Pois é, a vida é uma desgraça, o grito é infinito e o pop nunca soou tão transviado. So much bitterness.

Clipe: Goth-Trad - "Anti Grid"

2012-02-08T10:42:00.004-02:00

Depois do caos televisivo de "Air Breaker", o novo clipe do produtor de dubstep Goth-Trad vai pra movimentada "Anti Grid", que também brinca com mídias - dessa vez criando arte através da decomposição e colagem de filmes cinematográficos. Confere:

Clipe: Tokimonsta - "Darkest"

2012-02-08T09:49:00.004-02:00

O novo clipe da beatmaker Tokimonsta é pra "Darkest", faixa presente no EP Creature Dreams. A representante feminina da Brainfeeder aqui interpreta uma coelha-robô que em uma sala hi-tech controla o ambiente onde Gavin Turek, a cantora que empresta a voz na música, dorme. Bastante interessante, confere:

Leonard Cohen - Old Ideas (2012)

2012-02-04T20:07:00.000-02:00

Artista: Leonard Cohen

Disco: Old Ideas

Ano: 2012

Origem: Canada

Gênero: Folk

Gravadora: Columbia

PraTestar: Going Home

A grande magia do cinema é a seguinte: ele é capaz de tornar a mentira infinitamente mais convidativa que a verdade. Essa é uma ideia que eu vos apresento aqui e agora, mas que me veio, se não me falha a memória, através do cineasta italiano Frederico Fellini.

É uma ideia praticamente perfeita. Romper as barreiras do possível é algo que sempre possuíra apelo diante do público, seja ele entendido ou leigo, assíduo ou corriqueiro.

A música, diferente do cinema, não é tão eficiente no intento de criar um mundo de representação onde a verdade se torna quase que invariavelmente menos brilhante do que a mentira – o cinema é, para mim, nesse sentindo, uma forma de expressão artística mais completa, pois consegue criar representações da realidade que conseguem soar mais verossímeis, mesmo extrapolando os limites daquilo que consideramos ordinariamente como real. Apesar disso, sim, a música possui essa capacidade. Quando um músico hábil consegue desvelar esse poder oculto em cada faixa é que nós vemo-nos diante daquilo que chamamos comumente como obra-prima.

Esse novo disco do cantor e compositor canadense Leonard Cohen me parece ser bem uma obra-prima, mas não uma qualquer. Qual então? Uma daquelas que corroboram outro conceito que completa o apresentado acima: refúgios são pessoais, portanto, obras-primas também.

Na primeira audição deste disco, parece-me que ele nos sugestiona e conduz a um pequeno engano: Leonard Cohen realmente aparenta estar gravando apenas mais um disco que será colocado em sua já vasta coleção de lançamentos. Mas é como eu disse: isso é sim um engano.

O disco não se configura exatamente como algo tão descartável quanto um retorno a ideias antigas podem sugerir.

Há algo que vai além do revival pessoal e isso fica visível através da figura mais elétrica (elétrica no sentido de vivaz) de um Leonard Cohen que parece estar gravando aquele que pode ser seu último disco – não algo que indique uma morte iminente, doença ou qualquer coisa que se assemelhe, mas há o tempo que sempre corre próximo, junto aos calcanhares de todos nós, e não resta realmente muito tempo para Cohen.

E esse disco se faz valer através de certo tom de desespero, não aquele capaz de nos tirar dos eixos, mas o que nos faz ter forças pra reverter situações que antes pareciam irreversíveis. Leonard Cohen está à beira de um abismo, talvez o mais profundo de todos; da corda que o mantem vivo, restam apenas uns pequenos fiapos e ela ira ceder aos encantos do famigerado deus do acaso a qualquer momento.

A corda cede, mas Leonard se agarra a ela com a força de mil homens – ou um homem com mil mulheres, até mais apropriado, acho.

E o Leonard Cohen que revive desse desafio de sobrevivência é um cara em constante penitência, buscando se livrar de antigos erros, repaginando uma infinidade de antigas ideias.

O ritmo que dá novos contornos as páginas amareladas desse livro de ideias é o blues – Cohen disse em entrevista que sempre gostou da construção musical do estilo, mas que sempre sentiu que não tinha o direito de cantá-lo.

Mas a voz, ah, essa ainda é soturna, um tanto rouca e quase bêbada – Tom Waits é como um co-espírito, ou seja: o que temos aqui é um Leonard Cohen um pouquinho (vamos lá: bastante) marginal.

Apesar de um novo Cohen, todos os temas recorrentes em sua já extensa carreira ainda se encontram aqui nesse Old Ideas: as suas mulheres, a sua espiritualidade e a proximidade constante com a morte. Mas ao contrário de antes, aqui elas soam muito mais como um ultimato para o próprio compositor: “não tenho mais tempo para erros, a cada dia que passa eu tenho menos chances”.

É, em suma, um momento de reflexão. Cohen com Cohen e nada mais. É por isso que o disco soa extremamente assombrado, ainda mais que o tom ocre que já é comum e praticamente inerente à todas as canções de Leonard em toda sua carreira.

No que diz respeito ao tom penitente alcançado pelo disco, há que se considerar também a ótima produção que o registro possui. Comandada pelo também canadense Ed Sanders, ela brinca com elementos menos nostálgicos e um pouco mais polidos, hi-fi. Essa escolha se mostra correta, principalmente quando notamos o direcionamento natural imposto por Cohen às suas canções. Pois, apesar das ideias antigas, as imagens que Leonard evoca são muito mais atuais.

Ao contrário daquilo que o título do disco nos sugere num primeiro contato, o que nós temos aqui não são imagens antigas em fotografias amareladas, daquelas que guardamos em cantos escondidos do nosso armário em caixas de sapato tão velhas quanto – algo que o lo-fi sugere, esse distanciamento, essa nostalgia. As imagens que temos aqui são quase sempre fotografias digitalizadas e tratadas em um bom programa de edição, preparadas para cumprir sua função: nos apresentar a face daquele que já foi derrotado um número infinito de vezes, todas suas rugas e marcas de expressão.

No fim das contas, esse disco pode ser: uma sala de penitencia. Ou: o local pra onde vamos onde queremos meditar sobre a nossa “quase queda” – só a morte que pode mesmo ser chamada de derrota definitiva. E ainda: um manual de quem conviveu com a derrota, de quem vem vencendo a dor da derrota já faz alguns anos.

As regras com certeza não serão as mesmas que as suas, mas é quase impossível discordar de alguém que conviveu durante tanto tempo com a derrota.

E é mesmo: obras-primas nascem através da sua própria capacidade de criar uma verdade, não na de obtê-la. E Cohen sabe bem como criar verdades pessoais.

Música: Frankie Rose - "Interstellar"

2012-02-03T18:36:00.002-02:00

Depois das ótimas "Know Me" e "Night Swim" (falamos aqui), mais um drop de Interstellar, novo disco da Frankie Rose, pode ser escutado - dessa vez a faixa-título, mais uma envolvente tomada de referências do pop oitentista sem cair no clichê, com uma faceta mais ethereal/dream pop que pouco a pouco se transforma numa balada contagiante. Escute abaixo:

Clipe: M.I.A. - "Bad Girls"

2012-02-03T14:42:00.003-02:00

"Bad Girls", aquela faixa presente na mixtape Vicki Leekx, foi "recalchutada" e transformada em single pra figurar no novo disco da M.I.A. que, pelo que parece, está voltando aos trilhos depois da bagunça indigesta de /\/\/\Y/\. Abaixo você confere o ultra-divertido clipe pra música, dirigido pelo Romain Gavras (o mesmo que fez o genocídio ruivo de "Born Free"), com a moça e seus looks extravagantes acompanhada por vários mulçumanos (ou moradores de algum canto do Oriente Médio que podem não ser mulçumanos, vai saber) se divertindo de montão em manobras de carros e dancinhas - é quase a versão terrorista de "Otis". Vale cada segundo:

Clipe: Madonna - "Give Me All Your Luvin'"

2012-02-03T14:28:00.001-02:00

A rainha do pop decidiu sair do sarcófago e está de volta! Madonna soltou hoje o clipe de "Give Me All Your Lovin'", que vai estar presente no seu disco MDNA, com participação da M.I.A. e da Nicki Minaj, com muito movimento, dancinha, cheerleader, imitação de Marilyn Monroe e por aí vai - quem dera a faixa fosse tão entertaining quanto o clipe ao invés desse electropop tom pastel que teria dado certo em, sei lá... 2000? Enfim, confere:

Clipe: Neon Indian - "Fallout"

2012-02-03T14:22:00.001-02:00

O clima meio-oitentista meio-psicodélico do Neon Indian se traduz muito bem em imagens no clipe de "Fallout", uma animação feita pelo Adult Swim que mostra uma mulher sedutora... seduzindo, tudo num estilo de desenho que lembra os desenhos oitentistas que você assistia nas manhãs de sua infância. Bem bacana e nostálgico, confere:

Música: THEESatisfaction - "Queens"

2012-02-03T14:13:00.000-02:00

O duo THEESatisfaction, do qual falamos aqui, liberou hoje não apenas a capa do disco de estréia Awe Naturale (acima), como também mais uma faixa, "Queens", embalada por vocais de soul e uma produção dançante. Confere:

Clipe: The Magnetic Fields - "Andrew In Drag"

2012-02-03T14:07:00.001-02:00

A espirituosa "Andrew In Drag" do Magnetic Fields ganhou um vídeo que é nada mais que adequado - uma sequência de imagens mostrando um homem e uma mulher se transformando em, respectivamente, uma mulher e um homem. Nada mal pra uma faixa que carrega o verso "the only girl I've ever loved was Andrew in drag":

Clipe: Miike Snow - "Paddling Out"

2012-02-03T14:02:00.001-02:00

O que o single "Paddling Out" do Miike Snow tem de anêmico o vídeo tem de divertido e nosense. Um cara parecido com o Gerard Depardieu, sequestros alienígenas, operações bizarras pra criar um "humano perfeito", e enfim, muita loucura divertida de assistir:

Live: Nas leva "Nasty" ao Fallon

2012-02-03T13:49:00.002-02:00

O rapper Nas levou seu último single, "Nasty" (que vai estar presente no seu novo álbum ainda sem nome ou data de lançamento), ao talk-show do Jimmy Fallon. Com uma ajudinha básica do The Roots rolou uma apresentação bem enérgica, confere aí:

Artigo: A cópia da cópia

2012-02-02T21:20:00.000-02:00

Em outubro do ano passado, de forma corajosa, eu tentei escrever um texto cujo tema central era Lana Del Rey. Bem, eu fracassei, como vocês podem enxergar. Mais por limitação do que por opção, admito. Eu ainda estava tentando entender toda a confusão estética da moça. De alguma forma, ela tinha (ou tem?) tudo a seu favor: timing, estilo e apelo (este último algo que até agora ninguém consegue entender muito bem). A moça em questão tinha me deixado perplexo. Mas algo ainda, na época, me deixava confuso: como todo esse turbilhão de referências e cultos ao passado (agora eu percebo, afinal!) que nunca conseguiam coexistir de forma pacífica (que formou essa tensão na imagem de Lana Del Rey no início) funcionava?

Tudo isso eu queria colocar num discurso bastante prático: na época, o backlash ainda estava engatinhando (se compararmos com a situação atual, claro), e um post de uma garota bem modesta também tinha me fascinado. O tema era, de forma bastante irônica e conveniente, contexto (um tema que, para complicar ainda mais tudo, é autoferente e tem me perseguido ultimamente, lembrando de Tramp, da Sharon Van Etten). A garota, enfim, discursava sobre como a falta de contexto era equivalente a “uma visão sem equilíbrio” (em relação a...). Ecoou para mim mais como uma questão um tanto quanto rebelde na época, como um produto de uma visão (irônico, não?) também sem muito equilíbrio. Mas, alguns meses depois, essa conversa perdida agora faz sentido. A discussão avançou, a blogosfera (ou seria, numa aplicação mais áptil, uma espécie de "arquipélagos de blogs", onde a passagem de um nicho para outro é infinitamente mais difícil do que supomos) parece ter finalmente superado, de alguma maneira, a “questão Del Rey” e todos nós queremos continuar vagando por questões que a crítica americana mais conservadora possa nos vender como “relevante”. Mas, felizmente, não é tão simples assim.

É necessário, importante e (ah!) relevante dizer isso porque (isso vai soar como uma heresia para boa parte de vocês) Lana Del Rey não possui contexto – artístico, cultural e até mesmo em suas referências, logo – algum. Nenhum mesmo. E é esse, eu acredito, o céu e inferno de Lana Del Rey. Ela é a artista supostamente manufaturada (mas certamente reinventada) que ainda não tem uma função definida não no cenário atual (mais a respeito disso depois), mas enquanto conceito e imagem dela própria. Mas o contexto, o que liga e dá significado (e impede que tudo soe incrivelmente ridículo, esse o tom de imitação tão criticado) à imagem de Del Rey é necessário porque a figura de Lana Del Rey é mais cativante quando se leva em conta as referências bagunçadas de Del Rey em primeiro plano. O entretenimento em Lana era realmente assistir ao jogo de influências se transformassem nela mesma (esse é o encanto de uma canção como “Blue Jeans”, ora). Em outras palavras: subversão pura.

De uma maneira estranha, é difícil se lembrar do por que nos interessamos por Lana Del Rey (não de nos lembrarmos dela, como já foi dito por aí). Foi por “Video Games”, o tipo de canção que, a princípio, soa como se sua única função fosse mais nos remeter a alguma época obscura (o glamour dos anos oitenta junto com a reflexão dos Singer-Songwriters dos anos setenta com o cinismo do pop dos anos sessenta). Mas “Video Games” vai além: toda a imagem de Del Rey termina favorecendo a canção, ajudando a criar uma espécie de imaginário coletivo em que a canção é, indiscutivelmente, vasta o suficiente para abrigar todo e qualquer tipo de estética.

A maioria das pessoas também esqueceu que “Video Games” é uma canção pop. Uma simples canção pop. Claro, com um peso no zeitgeist imenso e incalculável daqui a dez anos, mas ainda uma canção simples. Como um crítico famoso já disse alguma vez, às vezes uma canção é somente uma canção. Independente disso, “Video Games” estabeleceu um padrão estético para Lana Del Rey. Mas a forma como ele foi incorporado para uma geração que é conscientemente treinada para desprezar esse tipo de “formação estética”. Isso fez, em parte, com que ela fosse recebida dessa forma.

A imagem de Del Rey estava, aparentemente, já formada. Na verdade, a descrição dela própria de uma gangsta Nancy Sinatra (uma referência vaga,eu admito, que até hoje não entendo muito bem, mas que é útil para a cantora, em que os fãs viram nela uma conexão no passado com atitude) já reforçava essa ideia. Ela estava (ou melhor, aparentava essa feição) pronta, bem delimitada em seus conceitos artísticos. Dessa forma, não é possível culpar Lana pelo hype nesse sentido (a ideia de culpar um artista pelo hype não é somente completamente absurda, como contraditória; os culpados, como sempre, fomos nós), já que “Video Games” foi digna de atenção. E agora, mais do que nunca, soa como uma cápsula do tempo – ainda que possa representar, nesse sentido, mais a sua época do que si mesma.

“Blue Jeans” foi, em todos os sentidos, um avanço. Lana Del Rey conseguiu finalmente estruturar, de forma mais ou menos convincente, um conceito bastante prático da persona de Del Rey: sexy, não necessariamente uma adepta das girl power, feminina de seu próprio jeito (mais sobre essa problemática depois), uma interpretação aparente, mas que era tão subversiva que nos encantava, um charme irônico que dava graça à confusão de referências que era (e é, até agora) Lana Del Rey.

Lana Del Rey, naquele momento, enquanto entoava um verso como “I will love you until the end of time”, se propôs a vender aquele conceito de bad girl. Del Rey, como nenhuma outra artista (sim, uma artista, aceitem) em memória recente, tornou-se o conceito. Essa problemática não é tão fácil de entender, mas quando percebe-se que a máquina pop do século XXI funciona assim, tudo fica de repente mais fácil.

Esse tipo de construção de imagem é complicado, ainda mais porque a música em si tende a soar como uma colagem em três dimensões de suas influências. Nesse aspecto, as influências de Lana (o cinismo dos anos cinquenta com a acessibilidade do pop que se desenvolvia nos anos sessenta) transformam-se no apelo principal. E não há nada de errado com isso.

Dessa forma, a figura da moça não poderia ser mais atual. O vácuo que existe no próprio “conceito de Lana Del Rey”, que é criado pela falta de contexto na figura dela (que, por sua vez, é criado pela inexatidão das referências dela, ad infinitum nas problemáticas...) só é preenchido por nossa vontade pura e simples.

Em outras palavras, Lana Del Rey é o que você quer que ela seja. Essa asserção pode causar tantas controvérsias que é possível que ela soe morta, nos leve de volta ao passado, seja indecisa quanto ao seu papel enquanto “mulher” (essa observação, pelo menos, é certeira), e por último, mas não menos importante, gere dúvidas quanto a sua autenticidade, tudo isso porque não consegue estabelecer, agora mais do que nunca, um aspecto que soe pelo menos convincente para a maioria das pessoas.

Esse é um dos (vários) motivos para que o backlash seja tão intenso. A cultura pop atual prioriza uma mostra de pureza artística (que, se olharmos mais nitidamente, se revela desde que os Beatles criaram suas próprias canções) que geralmente se revela numa visão ortodoxa na relação “rock como arte”. A questão é que esse pragmatismo no pop dita que a performance deve estar conectada com o seu próprio material, e como se fosse, de alguma forma (num ponto de vista simplesmente absurdo) justo pedir de Lana algum aspecto de (ah!) “realidade”.

O curioso no “fenômeno Lana Del Rey” (vocês não imaginam quão vergonhoso é escrever isso agora, depois de tão tempo) é que, de um certo ponto de visto, ele pode ser enxergado não só por uma base sociológica, como pode também servir, num futuro próximo, de início para um teoria mais abrangente da situação da blogosfera, está que é, agora mais do que nunca, mais fragmentada do que conectada.

Seguindo alguns padrões, o tal contexto mencionado anteriormente (o que justamente falta a ela) deformou-se, ou melhor, adquiriu, enfim, um aspecto. Inicialmente, como poucas vezes já ocorreu com alguns artistas, a internet acolheu Del Rey. A blogosfera (coloque qualquer definição aí) a adaptou a esse ambiente hostil. De repente (como sempre foi na rede, ora) é normal uma cantora que se declara como gangsta Nancy Sinatra sem nenhum outro histórico (até então não descoberto) chame a nossa atenção. A internet, um ambiente com uma hierarquia tão confusa, tem esse poder de cegar.

As pessoas que tinham uma relação mais conservadora com a questão (já perdi as contas de quantas vezes Maura Johnson, do Village Voice, disse que não deveríamos perder tempo com Lana Del Rey, para que, no final, ela estivesse – infelizmente, para alguns – certa) ou simplesmente tinham uma visão conservadora com relação a toda a máquina da blogosfera (ou, de certa modo, analisavam a questão como uma situação básica criada pelos tastemakers), eu acredito, não podiam prever toda a bolha que começava a se formar em relação à imagem (e agora sim, só nesse momento) Lana Del Rey propriamente dita, ou melhor, quem criou a moça: Lizzy Grant.

É óbvio dizer isso, mas a internet tem uma resposta padrão para esse tipo de figura publicitária (odeio usar esse termo, mas pelo menos aqui é necessário): é uma resposta tipicamente knee-jerk, por falta de uma abordagem mais apropriada. Isso significa que a especulação em torno de Lana Del Rey tornou-se um padrão e não uma discussão por si própria. O HIPSTERUNOFF começou a tratá-la como uma paródia de si mesma, os primeiros interessados na moça começaram a enxergá-la como uma abominação devido a essa onda de comentários irracionais e o pior lado da crítica (que deveria justamente dar bom senso) começava a desmoronar.

Isso foi tremendamente previsível. Lana Del Rey foi finalmente contextualizada à imagem da blogosfera (em um devido momento, as pessoas realmente começaram a enxergá-la como uma criatura da internet e nada mais, o pior que pode acontecer a qualquer cantora pop), mas como esse tipo de reação é o que mantém o lado mais acessível da blogosfera vivo, o tal tipo de criticismo tornou-se o mais viável.

Aí eu lembro da citação de Ellen Willis (que também mencionei na minha resenha de Tramp, da Sharon Van Etten). Muitas pessoas odeiam Lana Del Rey por sua imagem (e mais recentemente, pela sua música também, graças a Born To Die, agora com argumentos mais fortes a seu favor) porque odeiam a sensação de estarem sendo enganados. Esse tipo de crítica se baseia demais nessa simbiose hipotética entre autenticidade e música pop, criando um dogmatismo ferrenho que valoriza uma geração inteira de singer-songwriters sem saber bem o motivo.

Isso faz com que eu discorde da resenha do Ramon a respeito de Born To Die num ponto crucial: eu não estou particularmente interessado na questão “Nancy Sinatra, Britney Spears, Cat Power” de tudo isso (em outras palavras, a identidade da moça, ou quem ela realmente é). O que me provoca é a razão de não acreditarmos nela. Talvez seja um plano de marketing que recentemente se revelou oldschool e (agora sim) fracassou, em parte, devido (de novo) ao backlash. Ela pode estar morta para o underground, mas ainda há chances de que ela sobreviva no mainstream.

O que incomoda os mais conversadores é que enquanto nós não sabemos absolutamente nada sobre Lizzy Grant, há ainda quem esteja obcecado por descobrir mais e mais sobre Lana Del Rey, a reinvenção (diga-se de passagem que não há nada de errado com isso) de Lizzy Grant. Outro fator curioso é que, enquanto em outras esferas do pop é permitido essa reinvenção (Lady GaGa, que procurou de alguma maneira superar suas ambições artísticas indo de uma Academia de Artes para pop satírico e nonsense; Katy Perry, de adolescente cantora gospel para all-things-goofy), nós queremos crucificar Lana por uma manobra que é indiscutivelmente valorizada no pop. Mas tudo indica que aqueles que se “preocupam” e “monitoram” o pop atual num estilo geek herdado de uma cultura que desvaloriza essa sensibilidade pop nata são também extremamente céticos em relação a esse tipo de movimento calculado. Coincidentemente (ou não), esses mesmos são chamados de tastemakers atualmente.

O ponto crucial aqui mencionado é que a parte do criticismo que leva em consideração a autenticidade é uma plataforma crítica falsa e (às vezes) enganadora. Nesse caso de Lana Del Rey simplesmente tal questão não é interessante. Nem mesmo relevante. Discutir a autenticidade de Del Rey é fugir do escopo musical e atacar a persona de maneira per se (ou melhor, a “realidade” de Lana), é como desfigurar o propósito da música de Del Rey. É, em outras palavras, injustamente descaracterizá-la e tirá-la de um personagem. A música de Del Rey vive disso (para o bem ou para o mal). Mas o mais importante ainda não foi citado: como já foi dito, nós simplesmente nos acostumamos com a noção de que há uma ligação entre o performer e o compositor interior (um compositor interior, que, em alguns casos, não existe). Essa é uma das maiores justificativas (injustas, simples assim) para alguns odiaram os girls groups da década de sessenta – este que é, ironicamente, uma das maiores influências de Lana – e amarmos artistas “completos” como Bob Dylan e bandas como os Beatles. Isso soa como uma heresia para alguns, eu entendo, mas essa ligação entre autenticidade e música pop só foi formada quando o revival do folk ameaçava estourar nos EUA. Isso faz com que boa parte desse criticismo acerca da imagem de Lana Del Rey seja desmistificado e entendido como ele realmente é na maioria das vezes: uma reviravolta tola para o backlash. De fato, era assim até recentemente.

As circunstâncias de um disco como Born To Die são realmente difíceis de identificar, até, eu diria, tão difíceis quanto encontrar um contexto para a artista em questão fora da bolha da internet: como, afinal, um disco assim pode ser interpretado? Pop? Pop convencional? Um disco, digamos, sarcástico? Uma crítica que, afinal, ninguém entendeu ou captou? Uma tentativa de impor uma imagem repetidamente que, para começar, nem precisa ser imposta (essa imagem estava clara desde “Blue Jeans”)? É difícil, mas quando se entende que Lana Del Rey pode ser somente uma cantora pop com uma sensibilidade não lá muito treinada tentando afirmar uma persona com referências não muito consolidadas, as conspirações são inúteis.

Até porque Born To Die é um retrato bastante relapso desse tipo de confusão conceitual. É, de um modo estranhamente comum, o que acontece quando há um rompimento com a ligação que um dado artista tem a sua imagem. Em outras palavras, em Born To Die Lana Del Rey parece não ter as habilidades necessárias para lidar com os conceitos que fizeram “Video Games” e “Blue Jeans” tão interessantes.

Diria até que o mais provocante na temática toda em Del Rey sempre foi acompanhar como ela se resolvia dentro daquele campo limitado de ideias. Ela não era necessariamente fluente naquela arte de interpretação, mas havia charme e um vácuo para que nós pudéssemos colocar ali as nossas ideias à vontade. Enfim, era um mundo de ideias que convencia e que, apesar de todos os conflitos, parecia (e talvez, não é?) real.

Numa perspectiva puramente pop (pop, e só), seguindo só o contexto do disco em si, Born To Die, ao contrário do que deveria fazer, que é trabalhar as forças ou pelo menos neutralizar as falhas, acaba ressaltando os erros. Isso porque a música de Lana só funciona quando vem acompanhada de uma ideia passada. Em “National Anthem”, ela diz que “Money is the reason we exist / Everybody knows it / It’s a fact, kiss kiss”. Não é naturalmente forçado, como alguns disseram por aí, mas é uma visão desfocada. O problema não é o fato desse tipo de comentário social e econômico ser desnecessário, e sim como ele descreve um tipo de conversação pálida entre nós e Lana Del Rey.

Um disco assim é frustrante porque a todo momento em que nós queremos desbravar o que ainda sobra de Lana Del Rey a ser descoberto, ela só retorna com mais e mais perguntas: “Am I glamorous? Tell me, am I glamorous?”, ela canta em “Without You”, no que parece ser menos uma crítica aos padrões de beleza do que simplesmente medo. Del Rey não parece só dispersa, mas desconectada de seu tempo e vigor.

É isso o que quero desmitificar quando digo que Lana Del Rey é a cópia da cópia de si mesma. É realmente louvável que ela tenha desenvolvido uma estética inteira baseado em referências que quando ecoam dela nunca possam parecer mais em conflito, mas quando ela sai dessa zona e tenta soar como uma artista independente, como é o caso de Born To Die, ela parece querer encontrar uma saída simplesmente valorizando mais a produção do que uma segurança artística. Dessa forma, a moça soa quase normal e, mais do que nunca, chata. Mas Born To Die não consegue somente soar inoportuno, como também é um registro com ideias distorcidas sobre sua época. Para Lana (e seus produtores, não vamos esquecer), o pop precisa ser o mais pragmático possível e o contexto de álbuns não existem. A noção do que pode ser considerado feminino, porém, precisa ser vista de uma distância crítica. É uma visão particular, efêmera e que não vai ser levada a sério por alguns (com razão, vide “This Is What Make Us Girls”) porque é baseada nos próprios conflitos das referências de Del Rey. Ela tenta vender uma ideia a qualquer custo de forma visceral, mas só o que vemos são tentativas em vão. Ela nos pergunta: “Do you think we’ll be in love forever?”, “Is my body like sugar?”. Ela, ao tempo todo quer se definir baseando-se no que nós queremos dela. Não haveria nada de errado nisso se nós (nós e ela, por assim dizer) não estivéssemos tão descompassados.

Sim, a cópia da cópia. É confuso, eu sei. O pop funciona através de um ponto de vista pragmático e talvez não haja tanto espaço assim para uma artista que ainda procura um contexto maior do que a própria internet para se encaixar. O que eu proponho é que tudo isso é culpa nossa não porque a figura de Del Rey nos incomoda por, aparentemente, não representar nada, mas porque ela nos confronta com uma noção trabalhada de feminino que nos amedronta: uma definição que nós ainda não queremos aceitar ou mesmo discutir. Como fruto de uma geração que padroniza toda e qualquer reação a um mero “discurso”, nós podemos ter aprendido que, a qualquer custo, o pop não funciona de forma dual (e por isso pode ser tão injusto com alguns): ela pediu uma definição, um contexto. De alguma forma, nós ficamos assustados e despreparados. Como sempre, the joke’s on us.

Música: Orbital - "New France"

2012-02-02T16:59:00.002-02:00

Mais cedo postamos o novo clipe do duo Orbital, poucas horas depois, surgiu na rede mais um drop de Wonky, a faixa "New France" com participação da Zola Jesus nos vocais. Bastante atmosférica e envolvente, a música meio-techno meio-ambient casou bem com os vocais soturnos da moça, confira:

Música: Wild Nothing - "Wait"

2012-02-02T16:50:00.000-02:00

Você ouviu o single "Nowhere", que vai figurar no novo disco do Wild Nothing, aqui - agora a b-side da maravilhosa canção surge na rede, "Wait", uma atmosférica balada lo-fi que, diferente do dream pop costumeiro da banda, vai direto ao ponto:

Clipe: Nicolas Jaar - "Materials"

2012-02-02T16:36:00.002-02:00

A faixa "Materials", presente no EP Marks & Angles de 2010, mostra um Nicolas Jaar ainda dando forma ao seu som, um microhouse bastante influenciado por jazz que apesar de ser um pouco padrão, já dava sinais da habilidade fascinante que o jovem produtor tem de organizar os sons. Confere o clipe fan-made-sem-cara-de-fan-made que fizeram pra música:

Música: John Talabot - "Destiny"

2012-02-02T14:41:00.000-02:00

A quase um mês atrás falamos aqui do produtor John Talabot e seu disco de estréia ƒin. Depois de "So Will Be Now...", mais uma faixa com participação do produtor Pional é divulgada, dessa vez "Destiny", um house crescente e elástico que é bastante pop ainda que imerso em um clima sombrio - pra quem está com saudades do antigo Junior Boys ou do Matthew Dear de Black City. Confere:

Música: Big K.R.I.T. - "Boobie Miles"

2012-02-02T14:28:00.001-02:00

O rapper Big K.R.I.T. planeja em algum ponto de 2012 lançar o seu disco de estréia (considerando que tudo que ele já fez foram "mixtapes"), mas antes disso, irá lançar mais uma mixtape que dá continuidade ao seu excelente trabalho de rimas e produção. No dia 20 de fevereiro verá a luz do dia 4Eva N A Day, que pela capa e pelos comentários do próprio Big, terá como temática a escolha entre "o bem" e "o mal" na vida difícil dos guetos. Você já pode escutar "Boobie Miles", presente na obra, uma fantástica e jazzística faixa que mostra mais uma vez que esse cara só faz coisas ruins quando quer. Escute e se apaixone:

Música: Julia Holter - "In The Same Room"

2012-02-02T14:10:00.002-02:00

No dia 8 de março será lançado Ekstasis, novo trabalho da produtora Julia Holter (a mesma que nos deu o ambient tenso de Tragedy no ano passado), que dessa vez parece mais dedicada ao pop ainda que carregando suas belas estranhezas. Depois de "Marienbad", é a vez de "In The Same Room" ser escutada, um dream pop com sintetizadores abafados e cheio de efeitos angelicais, atmosféricos - new age sem ser monótono, assim por dizer. Escute-a e pegue a tracklist do disco:

01 Marienbad
02 Our Sorrows
03 In the Same Room
04 Boy in the Moon
05 Fur Felix
06 Goddess Eyes II
07 Moni Mon Amie
08 Four Gardens
09 Goddess Eyes I
10 This Is Ekstasis

Clipe: M. Ward - "The First Time I Ran Away"

2012-02-02T14:01:00.000-02:00

Falamos aqui dos detalhes de A Wasteland Companion, novo álbum do cantor-compositor M. Ward - agora é hora de provar o primeiro drop do trabalho, a faixa "The First Time I Ran Away", um melancólico e belo folk à lá Nick Drake, acompanhada pelo excelente vídeo, uma animação espirituosa e colorida com traços nipônicos. Não deixe de conferir:

Música: Daniel Rossen - "Silent Song"

2012-02-02T13:51:00.001-02:00

Depois da excelente "Saint Nothing", mais uma faixa de Silent Hour/Golden Mine, novo EP solo do Daniel Rossen, é liberada pra audição - dessa vez podemos provar da beleza de "Silent Song", uma faixa mais animada que continua a carregar positivamente o DNA do Grizzly Bear e do Department Of Eagles. Esse EP promete, confere um dos motivos:

Música: oOoOO - "NoWayBack"

2012-02-02T12:44:00.000-02:00

O misterioso produtor de (cof cof) witch-house oOoOO irá lançar seu segundo EP, Our Love Is Hurting Us, no dia 10 de abril. Você já pode escutar abaixo a faixa "NoWayBack", co-produzida pela artista Butterclock, que dá continuidade à produção fantasmagórica que mistura batidas de hip hop e vocais recortados de R&B. Confere e pega a tracklist abaixo:

01 TryTry
02 Springs [ft. Butterclock]
03 Starr
04 Break Yr Heart
05 NoWayBack [ft. Butterclock]

Clipe: Orbital - "Straight Sun"

2012-02-02T12:31:00.002-02:00

Enquanto Wonky, novo disco do duo Orbital, não é ~~vazado~~ lançado, a gente fica com o clipe de "Straight Sun", que tenta através da edição de imagens da natureza e de ambientes urbanos passar o mesmo feeling da música - um clipe noventista para uma faixa que soa como um techno noventista cheio de nuances atmosféricas:

Música: Scuba - "The Hope" b/w "Flash Addict"

2012-02-02T12:04:00.000-02:00

O produtor londrino Scuba, dono do selo Hotflush (Mount Kimbie, Sepalcure), irá no dia 6 de março dar continuidade ao seu trabalho lançando o seu terceiro álbum, chamado Personality. Abaixo você confere o single "The Hope" e sua b-side "Flash Addict", faixas que confirmam a mudança de direção na sonoridade do produtor que começou com o EP Adrenalin no ano passado - um belo adeus à bass music introspectiva e atmosférica seguido de uma saudação ao tech-house fervente e dançante. Confira as duas, respectivamente:

Capa da vez: Visions, da Grimes

2012-02-01T17:32:00.000-02:00

A capa da vez que vai ilustrar o banner do Vinyyyl é a de Visions, novo disco da canadense Grimes. Já resenhamos a obra aqui, e apesar de alguns pontos baixos terem rendido uma nota não tão alta, a capa certamente é uma das mais estranhamente belas de 2012. A arte é da própria Claire Boucher. Escolha do Felipe Reis.

Clipe: Air - "Parade"

2012-01-30T18:10:00.000-02:00

A versão remasterizada e colorida de Le Voyage Dans La Lune, de Georges Méliès, receberá como trilha sonora um disco do Air, de mesmo título. Depois de "Sonic Armada", eis mais um trecho do filme divulgado, dessa vez com a faixa "Parade". Tudo que eu tenho a dizer é que o bom e velho Air está de volta, confere:

Música: The Flaming Lips - "Now I Understand"

2012-01-30T17:58:00.001-02:00

O Flaming Lips anunciou semana passada que estava trabalhando com uma galera em um disco/EP/algo que será lançado no Record Store Day, em 21 de abril. Uma primeira colaboração com a Erykah Badu, "Now I Understand", foi liberada esse fim de semana na internet - uma faixa meio ambient com ares psicodélicos que, pasmem, samplea vozes do Siri, aquele aplicativo de inteligência artificial da última versão do iPhone. Confere a doidera e compreende porque Flaming Lips é algo pra ser amado pela eternidade:

Clipe: Eleanor Friedberger - "Heaven"

2012-01-28T12:32:00.000-02:00

Last Summer, último disco da Eleanor Friedberger, foi uma imersiva obra sobre lembranças e arrependimentos, que até abriu nossa lista dos 50 melhores discos de 2011. Abaixo você confere o clipe pra "Heaven", onde a moça interpreta uma mulher orgulhosa que depois de morrer cai no julgamento pra saber se seu destino sera ficar no céu ou descer pro inferno. Bem divertido, confere:

Grimes - Visions (2012)

2012-01-28T01:40:00.002-02:00

Artista: Grimes

Disco: Visions

Ano: 2012

Origem: Canadá

Gênero: Electropop / Synthpop

Gravadora: 4AD

Pra Testar: "Skin" e "Genesis"

É um tanto complicado e ao mesmo tempo interessante tentar definir Grimes, o projeto da canadense Claire Boucher que começou como mais uma brincadeira bedroom music e pouco a pouco se tornou maior - sendo o primeiro grande sinal de amadurecimento seu EP Darkbloom do ano passado, que é muito mais focado e bem produzido do que seus dois primeiros trabalhos, Halfaxa e Geidi Primes (discos agradáveis apesar da ingenuidade, vale frisar). Sua imagem sozinha já é o suficiente pra me deixar instigado, ela parece não ser de lugar algum ou se encaixar em lugar algum, uma incógnita desejável, como se a própria estranheza que ela carrega a tornasse adorável. O melhor de tudo isso, dessa imagem excêntrica (que eu apoio e acho um elemento significativo pra se estabelecer no universo pop, quando bem usada, claro), é que ela serve de apoio pra música e vice-versa - não como se o intuito da moça fosse fazer um projeto multimídia meio Lady Gaga onde as roupas fazem parte da arte; mas como a Björk, onde as duas coisas, imagem e som, naturalmente se conectam, formam uma unidade.

Sempre que vejo a moça, lembro instantâneamente de Lydia, a garota gótica de Beetlejuice; e não apenas pela imagem excêntrica, mas pelo comportamento também: Lydia, ainda que estranha e costumeiramente sombria, era livre o suficiente pra se divertir dançando salsa, não se importando se isso compactua com sua imagem ou não. E é exatamente esse espírito de liberdade que mora no que Claire faz, ela não prioriza nenhum campo do pop e simplesmente referencia tudo que dá na telha sem se importar com a naturalidade da mistura. É uma garota que não vê diferença entre Spice Girls e Dead Can Dance, por exemplo; coloca tudo no saquinho da música pop (incluindo as estranhezas), sacode e sorteia o que vai usar como referência em sua música: pode ser o synthpop, pode ser o R&B, pode ser a faixa radiofônica da vez, um sucesso maximalista do J/K-Pop ou até um cântico oriental (acredite, ela já usou nos primeiros discos).

Esse buraco negro que suga todas as possibilidades e as cospe de volta sujas de sua indentidade é o que me chamou atenção no trabalho da moça, não é todo dia que você vai encontrar uma música pop tão estranha, deliciosa e familiar como "Vanessa". Então foi ai que eu percebi que essa é toda a base das músicas da Grimes, fazer referências ao pop de forma ilimitada sem escondê-las, cada faixa lembra a algo que você já ouviu mas ainda assim tem uma certa estranheza particular, o que torna a dona da mistura a Grimes e faz da música tudo menos um pastiche barato. É fácil encontrar algo que lembre às faixas da moça, porque esse é o espírito de seu som, brincar com o universal sem receio, remoldá-lo para seu universo excêntrico e certamente carregado de um ar melancólico, sombrio, o que pode render a etiqueta de "goth-pop" em seu som apesar dela ir muito além do que um Austra ou uma Zola Jesus faz.

Visions veio como a promessa de lapidar tudo isso em algo mais sofisticado, mais acessível ainda que mantendo o espírito DIY e livre da coisa, os sintetizadores continuam sujos, a liberdade pra fazer o que quiser ainda é presente - só que ela organizou melhor as idéias, podou as arestas, realmente quis fazer um disco pensando no conceito de um disco. Apesar das misturas, pra manter o foco e deixar o clima mais homogêneo, as bases das músicas sempre são os sintetizadores e beats que carregam uma certa nostalgia oitentista e um uso de reverb vocal tão inspirado que é capaz de dar inveja ao Panda Bear. Devo dizer que ela conseguiu - fez uma obra agradável do início ao fim e coesa nas idéias e na simplicidade, de fazer música pop que apesar de estranha ainda é pop, ainda fala de amores abandonados, de peles se tocando, de caminhos para o coração; quase uma ode aos temas de qualquer cantora de R&B dos anos 90. Ela canta sobre cada tema desses com uma graça quase inimaginável.

O que me deixou frustrado em algo que parecia tão promissor é que, apesar de alcançar seu objetivo, o disco, talvez por tentar facetas diferentes demais, acaba criando pontos de depressão que são faixas padrão da Grimes digamos... padrão demais; um electro-synthwave cheio de vocais agudos e ritmo animado, que cumpre seu papel de ode ao pop espirituoso mas não é tão cheio de sentimento, de energia, quanto os pontos onde ela une todo o seu aparato com uma atmosfera emocional indiscritível. Essa faixas se concentram no miolo do disco, da ecoante "Vowels = Space And Time" até a embaralhada e Blade-Runnística "Nightmusic", tendo como exceção dessa linha "Circumambient", a faixa dançante e elétrica que mais tem intensidade, uma sequencia de drum machines inebriantes com um aparato vocal capaz de evocar os tais momentos sentimentais.

As faixas que ofuscam essas outras, no entanto, são, de longe, as peças pop mais fantásticas e belas de 2012 (sim, desde já) - "Genesis" é leve e cintilante, carrega todo o espírito da moça enquanto ela canta sobre seu coração ser capaz de reconhecer sentimentos; "Oblivion" e seu clima espaçoso soa como a narrativa de um sonho sombrio e apaixonado, ela avisa ao seu amado, quase profetizando "see you on a dark night", e em sua voz sentimos a profundidade de sua declaração. Mas "Skin", acima de qualquer outra, é a faixa onde tudo que a Grimes deseja fazer acontece - a reunião do sentimento, da ode ao pop, do espírito inovador, da letra fácil que ainda assim é poderosa; é densa, ecoante, melancólica, mas a mais sincera e penetrante de todas - no refrão até a Enya chega a ser sentida como uma referência, e pela primeira vez essa retomada da new age na música pop parece fazer sentido - ela transmite paz, espiritualidade, imersão, como poucas faixas nessa vida conseguem. Julianna Barwick se não estiver se mordendo de inveja, deveria.

Claire, que como artista surgiu causando dúvidas, continua assim em seu disco bem lapidado, que de acordo com a mesma é como se fosse sua estréia - aqui mora um certo mistério que eu nem sei se é capaz de ser desvendado, um coletivo estranho de referências com algo incômodo, algo que move a música ainda que não tenhamos idéia do que se trata. Essa sombra, esse mistério, é o que me faz não ter certeza do 7.5 acima (se é que notas realmente importam quando falamos de discos) - amanhã pode estar tudo diferente e as faixas que soam levemente vagas no meio da obra (apesar de muito, muito originais e inebriantes) podem passar a fazer sentido. Mas independente de qualquer coisa, "Skin" está e sempre estará aí, e só ela já torna o trabalho da Grimes válido por inteiro.

A outro do disco, "Know The Way", tem traços que lembram até à bossa nova, e captura (ainda que por um período muito curto) a alma que aparentemente faltou em algumas faixas do disco - o que só me deixa mais em dúvida sobre o que fazer com tudo isso. Visions é então o que seu título alega, um disco de visão, de futuro, que entende o que é o pop e o que fazer com ele; a coisa talvez seja tão fantástica que eu ainda não a desvendei por inteiro. Por isso recomendo a obra a todos e talvez, quem sabe, ela me convença ao longo dos meses e apareça entre os melhores no fim do ano. Até lá, "Oblivion", "Genesis" e "Skin" são as odisséias popísticas mais perturbadoras (num bom sentido) dos últimos tempos - o amor pela artista e seu produto se justifica acima das leves frustrações aqui.

Clipe: Schoolboy Q - "Nightmare On Figg St."

2012-01-27T19:19:00.004-02:00

Está aí o clipe obscuro e gangsta pra "Nightmare On Figg St.", faixa que pega emprestado o "ball so hard / that shit cray" do The Throne, presente no Habits & Contraditcions do Schoolboy Q, disco que entrou hoje em nossa seção de altamente recomendados. A coisa é boa, confere:

Música: Memoryhouse - "Walk With Me"

2012-01-27T15:59:00.001-02:00

O duo Memoryhouse e seu soft-pop enevoado irá lançar o disco de estréia, The Slideshow Effect, dia 28 de fevereiro. Confira abaixo a primeira faixa liberada do trabalho, "Walk With Me", uma agradável balada com vocais suaves e riffs distorcidos dando um toque especial na coisa:

Música: Wild Nothing - "Nowhere"

2012-01-27T15:39:00.002-02:00

O quarteto Wild Nothing, donos de uma das obras de dream pop mais marcantes de 2010, Gemini, retornam agora em 2012 com um novo disco ainda sem grandes detalhes. No entanto, o primeiro single da obra ainda sem nome já está disponível pra audição - "Nowhere", com participação de Andrea Estella (a vocalista do Twin Sister), é uma versão sonhadora de algo que o R.E.M. teria feito no começo da carreira; apesar do ar nostálgico, a beleza e leveza da faixa são bastante convincentes, tá valendo. Escute aqui no soundcloud, pois o embed está bloqueado.

Update: Embed liberado e com direito a download, abaixo.

Sharon Van Etten - Tramp (2012)

2012-01-27T14:22:00.000-02:00

Artista: Sharon Van Etten

Disco: Tramp

Ano: 2012

Origem: EUA

Gênero: Folk Pop/Singer-Songwriter

Gravadora: JAGJAGUWAR

Pra Testar: "Serpents" e "Give Out"

Eis uma devida contextualização: há uma citação de Ellen Willis, em um de seus ensaios mais famosos, “Dylan”, que vem ao caso quando é preciso discutir qualquer tipo de escapismo, principalmente em música: “Muitas pessoas odeiam Bob Dylan porque elas odeiam ser enganadas. Ilusões são boas, se amenas; caso contrário são potencialmente humilhantes”. Willis falava da transição de Dylan de um compositor de canções de protesto, arraigadas nos conceitos mais puros do folk (que logo depois ele confrontaria), mas, principalmente, da obsessão que Dylan tinha em sempre soar o mais distante das suas caricaturas anteriores enquanto compositor. Conforme as canções tornavam-se mais instrospectivas, essas reflexões eram mais impessoais. De repente, o homem com que nós nos habituamos desaparecia, e quem tomava seu lugar era o de um vulto, menos profeta e mais mito. De qualquer forma, as intenções exteriores de Dylan tornaram-se desinteressantes aos olhos dele. Mas não para os de alguns.

Falo dessa evolução - ou melhor, dessas discordâncias - porque ela geralmente ocorre (como é possível confirmar com esse exemplo) em pontos cruciais de uma carreira. Tramp, o novo álbum de Sharon Van Etten, parece se adequar nessas questões. Pode até fazer todas as indagações já mencionadas surgirem como dúvidas, até porque Tramp não é, de forma alguma, tão claro e simples quanto soa. É o disco obscuro, produto de uma série de experiências que se revelam pouco a pouco nas canções, de forma mais nítida do que confusa (como era de se esperar). Soa como uma retratação de anos feita em dias, uma cruzada emocional que nega a se revelar. Sharon, em todos os instantes, soa comprometida com um ideal de composição: uma narrativa obscura, conservadora mais por opção do que por limitação, que desbrava o mundo ao seu redor com um caleidoscópio que vai lançar dúvidas em relação à veracidade das afirmações.

Permanece, em muitos casos (e segundo muitas visões distintas), como um disco anônimo. Pelo menos soa anônimo. De “Warsaw” até os últimos segundos de “Joke Or A Lie”, ela descreve um mundo distante de nós mas ainda convidativo, devido ao apelo do lirismo de Sharon. Ela, de alguma forma, nunca soou tão distante dos ouvintes, mas ainda assim tão próxima de sua problemática. É nesse contexto (Tramp é um disco que precisa muito dessa palavra) que a questão da perspectiva do autor faz todo o sentido. Há quem culpe Tramp por ser um disco cujo conteúdo é demasiadamente opaco, mas Sharon constrói um mundo em que tudo é regrado pela catarse: seja em “Serpents”, uma canção básica sobre frustração (de qualquer tipo, já que o apelo de Tramp reluz em sua interpretação), que possui uma clareza que daria inveja na Tori Amos de Little Earthquakes, uma das canções fundamentais do disco.

É por causa desse vocabulário básico que o apelo das canções muda e viram verdadeiros mantras: “In Line”, “We all make mistakes”, “I do all I can/But who is my man?”, “It might be I always give out”, e o verso que traduz o sentimento de todo o álbum: “You’re the reason I will need to leave”. Tramp, é portanto, um produto de uma mente inquieta e transeunte forjado por formas convencionais de composição, com uma visão moderna de si mesma.

Nesse sentido, é possível compartilhar da visão de mundo de Sharon sem ao menos entender a proposta do disco, até porque Tramp é pensado como um álbum de canções, cada uma funcionando em seu próprio universo. É interessante também notar que, apesar de seu retrato obscuro, tem um romantismo latente. É essa percepção que dá a beleza das contradições de um disco assim: a beleza de uma canção tão desesperançosa quanto “Give Out", ou a falsa indecisão de “Joke Or A Lie”.

Tramp pode assustar alguns por ser um disco tão oblíquo nas ideias centrais quanto simplório na superfície. Mas o real triunfo que precisa ser considerado aqui (e que nem todos vão enxergar) é que Sharon criou um disco fundamental utilizando elementos familiares, cativantes, mas que nunca são claros o bastante para uma análise, digamos, definitiva e correta. Parte do apelo de Tramp é justamente esse desbravamento de ideias (a mesma interpretação de um verso como “I want to be over you”, presente em “Warsaw”, já revela tal jogo). A sensação é que Sharon nunca quis ser tão disponível emocionalmente, mas nunca quis tanto se proteger. A tarefa é árdua: a catarse é o apelo e o interesse está na beleza dual da obra. A verdade é que ela, afinal, nunca esteve tão desprendida de seus medos. Nesse contexto, Tramp faz todo o sentido do mundo: consegue revelar a evolução da coragem de uma artista que quis partilhar essa tal virtude (invejável) conosco.

Música: Azealia Banks - "Bambi"

2012-01-27T10:43:00.001-02:00

Está permitido mais uma faixa da Azealia Banks? Está! Dessa vez caiu na rede a versão de estúdio de "Bambi", aquela faixa que primeiro foi tocada durante um desfile da Mugler - se ela vai lançar como single ou se foi feita apenas pro desfile ainda não se sabe, mas é notável que a qualidade da coisa é um pouco decepcionante se a faixa for tratada como algo dela e não apenas uma trilha, esse buildup eletrônico seguido pela explosão de rap na metade meio que lembra às esquisitices do electroclash do começo da década passada. Enfim, tire suas próprias conclusões:

Em outras notícias, a Azealia parece realmente ser a nova queridinha do mundo da moda - o excêntrico estilista Karl Lagerfeld chamou a moça pra cantar ao vivo "212" na casa dele em Paris, durante o que parece ser um dia normal em sua vida. Esquisitices à parte, Banks manda muito bem no ao vivo e vale a pena conferir:

Schoolboy Q - Habits & Contradictions (2012)

2012-01-27T01:50:00.001-02:00

Artista: Schoolboy Q

Disco: Habits & Contradictions

Ano: 2012

Origem: EUA

Gênero: Hip Hop

Gravadora: Top Dawg

Pra Testar: "Hands On The Wheel" e "Sexting"

Section.80, disco de estréia do rapper Kendrick Lamar, foi facilmente o disco de rap mais poderoso e inspirado de 2011, onde ele pegou as migalhas do pop-rap da última década, juntou com sua aurea consciente e crítica vinda dos anos 90 e aplicou na forma de sons e rimas tão entorpecentes, inovadoras e viscerais que praticamente nos obrigou a amar cada segundo delas (como não adorar um disco de rap que abre mandando um bonito dane-se pra discursos etnicos?). Lamar faz parte de um coletivo de rap chamado Black Hippy, que divide quase da mesma filosofia que ele tem, a de fazer rap pé-no-chão, das ruas, sem repetir clichês e sem cair na baboseira desproposital do internet-rap. Nesse coletivo também estão Ab-Soul, Jay Rock e Schoolboy Q, esse último agora dando continuidade à sua estréia Seatbacks, do início do ano passado.

É importante falar do Kendrick para falar de Habits & Contradictions porque o disco soa quase como uma continuação da visão de Section.80, não sobre os mesmos temas ou sonoridades, mas sobre como fazer um disco de rap num tempo confuso, que temos a impressão de estar tendo uma segunda era de ouro do gênero ao mesmo tempo que tudo parece muito igual a tudo, onde as coisas soam sérias demais ou brincalhonas demais a ponto de comprometer o trabalho - eles escapam das armadilhas seguindo uma linha de observação e prática quase semelhante, o que só deixa claro como realmente se comportam como um coletivo e como as idéias que são produzidas individual e coletivamente contribuem pra fazer algo que destoa de tudo sem se afastar tanto do acessível; são rappers que querem criar, inovar, mas não buscam nem um pouco entrar na caixinha do alternativo, abstrato ou experimental.

Schoolboy Q com seu flow calmo porém impactante carrega o disco com um vigor incrível, onde a produção, extremamente bem lapidada e cuidada, dividide bem o espaço entre um street-rap cheio de beats empolgantes e sonoridades que beiram o dream pop (como "Blessed", que conta com a participação do Kendrick); totaliza-se um disco que sabe ser variado sem perder a sua essência, e isso é um reflexo claro do time de produtores inteligente, que tem consciência que exagerar ou minimalizar demais pode ser prejudicial. Daí nascem momentos de puro brilhantismo como a excelente "Hands On The Wheel", com um soul sampling memorável e uma sequencia de beats dançantes obsessiva, exigindo atenção - tudo isso sendo acompanhado pelo ASAP Rocky rimando de uma forma tão empolgada que ele nem parece ser o mesmo de LiveLoveA$AP, dividindo com o Schoolboy os versos sobre uma farra hedonista regrada a sexo.

Habits & Contradictions parece realmente querer dissecar os hábitos do rapper, mas a forma que ele o faz é extremamente agradável porque apesar de racional, consciente e verdadeiro (o oposto do mundo de fantasia mal produzido de um Rick Ross, por exemplo), ele parece não se importar tanto com os rumos que a própria vida leva para fazer uma confissão tão raivosa e séria como XXX do Danny Brown. O disco é tão equilibrado em suas rimas quanto em sua produção, é verdadeiro, mas trata a verdade como brincadeira, Q parece estar rindo, calmo e, principalmente, se divertindo enquanto fala de seus vícios, suas farras intermináveis, o consumo de drogas, a obsessão por mulheres e os deslizes no crime - é o mundo dele, é a história dele, e o mais importante a ser visto é como ele organiza as palavras e não necessariamente o que elas dizem. Nesse ponto, SQ é eficiente quase como um Kanye West é pra falar de si mesmo - pra ter como comparativo, ele exalta sua própria persona na atmosférica "Grooveline, Pt. 1" mas o clima não é tão sério como o de um West, pelo contrário, fica claro que seu compromisso é com transmitir a sensação debochada mais do que criar um mundo de verdades incontestáveis.

"Nigghas.Already.Know.Davers.Flow" é a prova completa do deboche sério da obra, ele rima paranoicamente sobre como as pessoas já sabem de tudo que ele faz de errado (fumar umas, fazer sexo compulsivamente), mas ainda assim, soa como se não se importasse, como se fosse até um troféu saber que todos sabem de sua persona corrupta. O mesmo acontece na trip-hopística "Raymond 1969", na qual ele disseca o seu lado marginal sem arrependimento - "fear around hear, spill death around here" - a continuidade do disco, no entanto, amacia esses momentos de tensão e deixa o total mais com cara de um N.W.A., abusivo sem perder o humor, do que um Dr. Dre que falava de crimes de um modo sério demais pra que a coisa fosse divertida ao invés de dolorosa - e dor, pelo menos por esses motivos, não é o foco de alguém que faz um disco de hip hop que almeja ser inovador e imersivo em 2012.

Os discursos podem caminhar num caminho quase oposto, enquanto um critica uma juventude e seus vícios (somando temas políticos no conteúdo), o outro vive os vícios sem nenhuma culpa - mas a maneira de por isso no papel, de escrever a história, carrega a mesma densidade e vontade de fugir do lugar comum. Essa vontade vira uma realidade, temos uma produção fantástica e um ritmo de rima que só reflete tal compromisso - Habits & Contradictions é a versão gangsta-street-divertida da alma de Section.80, e isso é um elogio dos grandes. Discão de rap, sem mais.

Clipe: White Rabbits - "Heavy Metal"

2012-01-25T23:33:00.002-02:00

A "Spoon-ística" e agradável "Heavy Metal", nova faixa do White Rabbits da qual falamos aqui, ganhou um clipe um tanto estranho mostrando momentos do dia-a-dia do que parece ser um romance a três entre um velho e duas moças. Presta atenção na referência a O Iluminado (ou não?):

Lana Del Rey - Born to Die (2012)

2012-01-25T21:01:00.007-02:00

Artista: Lana Del Rey

Disco: Born to Die

Ano: 2012

Origem: EUA

Gênero: Pop

Gravadora: Interscope

Pra testar: "Summertime Sadness"

Falem bem, falem mal, mas falem de Lana Del Rey. Todos nós sabemos - e acredito que não seja motivo de discussão - que a nova-iorquina de 25 anos foi um dos nomes mais comentados no mundo da música em 2011, a menina dos lábios lascivos e voluptuosos chegou com apenas um single e já foi classificada pelos mais exaltados como a mais nova “diva” da música pop. Até então com um insondado disco de estreia - o ainda pouco conhecido Lana Del Ray A.K.A. Lizzy Grant -, a Nancy Sinatra do gueto despontou mundo afora com o seu vídeo caseiro do single “Video Games” lançado no ano passado.

A voz rouca, o clima nostálgico do clipe sustentado pela imagem enigmática de Lana: uma imagem tímida, mas sensual; blasé, mas popular. Tudo contribuiu para que criassem uma personagem em torno de Lana, o espírito misterioso da cantora, a sensualidade clássica à lá pin-up-cinema-noir, tudo caiu como uma luva para um público saturado de cantoras cada vez mais uniformes no universo atual da música pop. Pois bem, tudo a princípio deu – e muito – certo, o single “Video Games” foi um dos grandes lançamentos do ano passado e faixas como “Blue Jeans” e “Off to the Races” ajustavam-se com essa persona supostamente criada para Lana Del Rey.

Seria tudo devidamente perfeito se Born to Die não conseguisse destruir quase que por completo essa frágil máscara de vidro e deixasse evidente a falta de identidade e imaturidade da jovem cantora. Lana Del Rey parece não saber o que quer e atira para todos os lados como uma criança desajustada e facilmente manipulada querendo fazer parte de algum grupinho escolar; Born to Die é repleto de afetações e repetições que enjoam, um excesso de produção a tentar transformá-la em algo de “fácil” audição (lê-se produção barata com um pé no rap/hip-hop e refrões pobres e exaustivos), como no caso da sofrível “Diet Mtn Dew”, uma canção sem pé nem cabeça - de longe a pior do disco - e enfeitada aos montes para tentar disfarçar a sua mediocridade.

Born to Die é tão medíocre que consegue fazer do primeiro disco de Lana uma obra-prima. Em “National Anthem” - outra faixa terrível - Lana assume o papel pop-besta em uma postura no estilo “Born in the U.S.A.” com refrões maçantes, risíveis e com um prólogo sem medo de soar como uma cópia, só que mais concisa, de "Bitter Sweet Symphony" do Verve: “O dinheiro é o hino do sucesso. Então, antes de sairmos, qual o seu endereço? Eu sou seu hino nacional. Deus, você é tão lindo” - canta a versão feminina do Capitão América. Muita pretensão e soberba para alguém que acabou de aparecer no mundo música, não?

Nancy Sinatra, Britney Spears, Cat Power... Lana Del Rey, queremos saber: quem é você? Seja uma só, mas seja verdadeira, ou melhor, seja você! O pouco de personalidade que o disco sustenta prevalece em suas melhores canções - as óbvias “Video Games” e “Blue Jeans” - e na faixa que dá nome ao álbum: “Born to Die”. “Summertime Sadness” talvez seja um outro ponto alto do disco, mas a mesma é semelhante às demais citadas e não acrescenta nenhuma novidade ao álbum, o resto é completamente mediano e inexpressivo. Fica evidente um excesso que incomoda, uma produção carregada a tentar imutar a imagem de Lana Del Rey em algo muito mais colossal do que ela aparenta ser; não que isso seja errado, é que às vezes simplicidade pode muito bem ser algo majestoso.

Isso sem falar no nítido desconforto da moça em suas últimas apresentações ao vivo, o que só deixa ainda mais aparente a sua falta de afinidade para com situações que exigem maior atitude e personalidade de uma cantora, coisa que ela parece ter perdido em diversas faixas desse seu segundo álbum de estúdio. É até difícil pensar em uma apresentação menos intimista da Lana, a mesma não tem - e isso não é demérito algum - a atitude de uma Britney bitch da vida, fica falso tentarem empurrar isso pra gente; talvez ela encontre a sua verdade em algo muito mais simples e natural do que em algo megalomaníaco. Born to Die nasceu, mas os seus míseros e singelos suspiros de vida não conseguiram mantê-lo vivo por muito tempo, e ele, precoce, morreu.

Clipe: Wilco - "Dawned On Me"

2012-01-25T15:15:00.002-02:00

O novo clipe do Wilco, para "Dawned On Me", presente em The Whole Love, é uma divertida animação onde os membros da banda interagem com os pesonagens do desenho Popeye. Confira:

Música: Battles - "Wall Street (Gui Boratto Remix)" e "Sweetie & Shag (The Field Remix)"

2012-01-25T14:51:00.000-02:00

Seguindo a linha do Radiohead, o Battles irá lançar uma série de remixes dividida em quatro partes, que somadas formarão a coletânea Dross Glop. A primeira parte das modificações aos sons de Gloss Drop já pode ser escutada e foi feita por dois grandes nomes do minimal techno, o brasileiro Gui Boratto com "Wall Street" e o The Field com "Sweetie & Shag". Escute as duas abaixo, respectivamente:

Clipe: Porcelain Raft - "Unless You Speak From Your Heart"

2012-01-25T14:36:00.002-02:00

Falamos aqui sobre a excelente "Unless You Speak From Your Heart", um pop espacial e melancólico do projeto Porcelain Raft, que lançará seu debut Strange Weekend em breve. A empolgante faixa recebeu hoje um vídeo, onde Mauro Remiddi (o cara por trás da alcunha) numa sala iluminada por projetores fica fazendo poses e enfim, sendo divertido, com a ajuda de dois jovens que aqui e ali ficam imitando seus movimentos. Estranhamente entertaining, confere:

Música: Blondes - "Wine"

2012-01-25T14:25:00.000-02:00

O duo de dance pop Blondes irá lançar o disco de estréia ST no dia 7 de fevereiro. Abaixo você já pode escutar (com direito a download) a faixa "Wine", presente no álbum, uma mistura entorpecente de sintetizadores hipnóticos e vocais distorcidos - uma boa pra quem gosta de Teengirl Fantasy (que a propósito, remixou essa faixa a um tempo atrás):

Música: The Men - "Open Your Heart"

2012-01-25T14:07:00.000-02:00

Os nova iorquinos do The Men mal lançaram o bom Leave Home ano passado e já se preparam para no dia 6 de março trazerem à luz do dia Open Your Heart, um novo álbum com uma promessa de uma nova sonoridade, mas mantendo as características DIY da banda. "Open Your Heart" é a primeira faixa pra audição da obra, e realmente ela prova que eles mudaram um pouco o rumo das coisas - ao invés de um caos estranho que mora entre o hardcore, o noise e o krautrock, a aposta aqui é em algo mais direto e pop (meio noiseado ainda, claro), uma canção cheia de puxadas, veloz e agradávelmente melódica:

Lindstrøm - Six Cups Of Rebel (2012)

2012-01-25T01:49:00.002-02:00

Artista: Lindstrøm

Disco: Six Cups Of Rebel

Ano: 2012

Origem: Noruega

Gênero: Nu Disco / Electro

Gravadora: Smalltown Supersound

Pra Testar: "De Javu" e "Quiet Place To Live"

O que mais ficou notável inicialmente em Six Cups Of Rebel, novo disco do produtor norueguês Lindstrøm, é que ele parece confortável ao fazer o que deseja fazer aqui: abandonar a "profundidade" dos trabalhos passados e fazer música eletrônica dançante e direta (ou quase), hedonista, divertida, sem muita melancolia ou neurônio por trás - um disco pros pés, que mesmo com suas afetações ao longo do caminho, é essencialmente pop. Algo me diz que boa parte dos produtores depois de muito tempo trabalhando com sons muito "cabeçudos" começam a desejar a união do estilo sonoro que criou (se criou algum) com um apelo maior às pistas, uma vontade de tornar o seu som de todos e alguma vez na vida não calcular demais o rumo que as coisas tomam, um flash de liberdade sem culpa. Foi o que aconteceu com o Caribou em Swim, por exemplo. É o que tenta acontecer aqui também, claramente.

Não é muito difícil imaginar que essa possibilidade surgiu na cabeça do produtor quando ele fez Real Life Is No Cool, disco em parceria com a cantora Christabelle que não só foi uma inebriante versão futurística de Off The Wall (do Michael Jackson) como também nos rendeu o hino sedutor pras pistas "Lovesick" - o lado pop de sua produção transpareceu com facilidade, quase que naturalmente. Nada mais adequado, então, do que ele elaborar esse lado de seu trabalho em um disco solo, sem a ajuda de uma voz sedutora embalando hits, algo mais próprio e por isso mais livre pra que ele deixe seus traços característicos, ainda que o clima não seja comum comparado ao que já foi feito.

Talvez a própria liberdade exacerbada seja a responsável por deixar a obra não tão potente quanto ele imaginou que ela ficaria. Diferente das imensas faixas com explorações atmosféricas usando a disco music como base, coisa que rendeu ao disco Where You Go I Go Too a tag "space disco", aqui ele mantém essa base (a disco), mas a utiliza pra criar uma imparável jam eletrônica misturando vocais embaralhados (alguns são dele mesmo), baixos funkeados, loops sonoros e um clima que beira o synth funk - tudo funciona como um DJ mix, com as faixas se conectando e tornando o disco praticamente uma única e obsessiva música dividida em pequenos pedaços com nuances diferentes. O problema mora exatamente nessas nuances que são produtos da falta de barreiras do Lindstrøm, em alguns momentos o disco toma formas que parecem fugir da aurea que ele prometeu.

Não diria que existem erros trágicos aqui, longe disso. Mas um disco que deveria funcionar como uma jam de disco esquizofrênica, dançante e direta não alcança sua proposta por completo ao trazer na abertura um orgão em loop praticamente anunciando uma catástrofe irreparável à humanidade, por exemplo. O mesmo acontece quando ele quebra o clima bruscamente com o uso indevido de vocais - enquanto umas faixas conseguem tirar proveito do caos das vocalizações em colagens, outras como "Call Me Anytime" acabam ganhando um formato disforme, incompatível com o disco e até monótono pela pontada de experimentalismo, um take incômodo que soa como se várias pessoas estivessem conversando ao mesmo tempo numa sala onde toca uma mistura de sons orgânicos com sintetizadores ambient claustrofóbicos.

Esses deslizes apesar de afastarem o ouvinte do hedonismo prometido acabam não conseguindo ofuscar o que o disco tem de bom - os momentos fantásticos em que as jams eletrônicas cheias de odes ao KC & The Sunshine Band funcionam magistralmente, envolvem e trazem à tona uma vontade obsessiva de simplesmente sentir prazer ao mexer o corpo; "Deja Vu" é quase entorpecente de tão bem produzida e coesa, prendendo do começo ao fim, "Quiet Place To Live", abusando de guitarras distorcidas no meio das colagens de sons, funciona como um momento de tensão que não abre mão do clima de hedonismo, algo que só torna mais eficiente a execução da proposta do disco, o oposto dos momentos que destróem a atmosfera por tentarem ser tensas através do exagero.

Desses altos e baixos o que fica provado é que, intencionalmente ou não, o próprio Lindstrøm foi o responsável por criar momentos de quebra no disco que vão contra a corrente do mesmo - o que deveria funcionar como tensão acaba resultando em monotonia. "Hina" deixa a pista de que esses instantes de anemia são um erro de cálculo do produtor exatamente porque ele tentou calcular algo que não deveria ser calculado, que deveria soar coeso juntando seu modelo de produção com a festividade de um funk de uma forma natural, que simplesmente caminha, como se tivesse vida própria - e é exatamente isso o que acontece nessa faixa final que dura 10 minutos, uma odisséia atmosférica e dançante ao mesmo tempo, que faz alusão à introspecção intergalactica que deu fama ao produtor e que também carrega sem escorregões a alma de Six Cups Of Rebel e suas afetações.

No final, Six Cups Of Rebel é a soundtrack perfeita para uma festa animada em que há uma vontade de soar futurista fazendo referência ao passado, com um saldo positivo apesar dos pequenos buracos no percusso - uma som feito na Terra com a intenção de alcançar outros planetas por um cara que passou tempo demais vagando pelo espaço e agora decidiu provar da gravidade. Não deve ser fácil a adaptação, ficam entendidos os deslizes.

Música: Ladyhawke - "Black, White & Blue"

2012-01-24T18:35:00.000-02:00

Depois de 4 anos do seu debut ST, a cantora e produtora neozelandesa de electropop Ladyhawke retorna com Anxiety, seu novo disco que será lançado no dia 19 de março. Abaixo você confere o single "Black, White & Blue", que tenta misturar os sintetizadores de uma faixa pop radiofônica padrão com algumas distorções de guitarra e baixo marcado - não é um esforço muito gratificante, mas fica aí a quem interessar:

Clipe: Kate Bush - "Eider Falls At Lake Tahoe"

2012-01-24T18:24:00.003-02:00

Depois de "Mistraldespair" e "Wild Man", mais uma animação fantástica dá vida aos sons de 50 Words For Snow, último e belo disco da Kate Bush. Dessa vez é "Lake Tahoe" a faixa escolhida, que na sua versão reduzida "Eider Falls At Lake Tahoe" é contemplada pela calorosa narrativa de um cão reencontrando sua dona mostrada através de um teatro de sombras. Assista:

Música: Gangrene - "Dump Truck"

2012-01-24T17:50:00.002-02:00

Gangrene é um duo de rap formado pelo produtor The Alchemist (que produziu o EP Covert Coup do Curren$y ano passado) e pelo rapper Oh No. O segundo disco deles, Vodka & Ayahuasca, foi lançado oficialmente hoje, dia 24 de janeiro. Como é bom não deixar passar batido, confiram abaixo o single "Dump Truck" com participação do rapper Prodigy (membro do Mobb Deep), uma louca viagem por beats entorpecentes e trechos psicodélicos, guiada pelo rap cortante e cheio de rimas marcantes dos caras. Confere:

Clipe: The Twilight Sad - "Another Bed"

2012-01-24T17:40:00.001-02:00

No One Can Ever Know, novo disco dos escoceses do Twilight Sad, não parece muito promissor levando em conta as faixas que já cairam na rede - tenho a sensação que será uma daquelas obras que servem como atestado de que a banda se cansou rápido demais e tornou-se genérica. De qualquer forma, confiram o clipe de "Another Bed", com uma festa mórbida feita por um cara certamente problemático:

Miike Snow - "Black Tin Box"

2012-01-24T17:15:00.004-02:00

O trio de electro-mais-algumas-coisas Miike Snow se prepara pra lançar seu segundo disco, Happy To You, no dia 26 de março. Já estão na rede algumas faixas do disco, como "Devil's Work" e "Paddling Out", faixas tão desanimadoras e genéricas que nem valia muito a pena colocá-las aqui nas notícias. Tudo indica então que a obra não vai ser lá muito agradável, mas agora com "Black Tin Box", um downtempo gostoso com participação da Lykke Li, sabemos que ela pelo menos terá uma faixa que vale o play - aqui no soundcloud deles.

Clipe: Zebra Katz - "Ima Read"

2012-01-24T16:51:00.000-02:00

"Ima Read" é interessantemente bizarro, tanto o vídeo quanto a faixa. Não poderia ser usada outra palavra senão bizarro pra definir um vídeo desses pra uma faixa de rap com beats minimalistas em loop que carrega rimas do tipo "Ima take that bitch to college / Ima give that bitch some knowledge" - são duas colegiais usando mascaras de kabuki, ora posando como as gêmeas de O Iluminado, ora dançando e pulando nos corredores de uma faculdade; adicione a isso a aparição sexy de Njena Reddd Foxx que participa da faixa com alguns versos. A coisa fica pior quando você nota que as duas colegiais são na verdade dois homens. Sério:

Música: Hyetal - "Searchlight (Night Mix)"

2012-01-24T16:29:00.002-02:00

O produtor de bass music londrino Hyetal divulgou pra audição seu novo single, "Searchlight (Night Mix)", um take mais direto e dançante no som costumeiramente atmosférico que ele faz (quem não lembra do musicão de 2010 "Phoenix"?). Escute abaixo:

Música: THEESatisfaction - "Do You Have Time"

2012-01-24T16:21:00.003-02:00

O duo feminino THEESatisfaction ficou conhecido depois de participar com vocais no excelente Black Up do Shabazz Palaces no ano passado (são aquelas vozes que lembram à Erykah Badu), e agora estão planejando lançar um disco de estréia no dia 27 de março pela Sub Pop, nomeado Awe Naturale. Abaixo você confere o soul-rap cheio de energia da faixa "Do You Have Time", tudo indica que mais coisas boas virão. Com direito a download em troca de email, abaixo:

Clipe: La Sera - "Please Be My Third Eye"

2012-01-24T16:11:00.004-02:00

Katy Goodman do Vivian Girls irá lançar Sees The Light, seu segundo álbum solo através da alcunha La Sera, no dia 24 de março. A animada e inocentemente romântica "Please Be My Third Eye", um gostoso garage pop lo-fi, ganhou um clipe que cola muito bem com o clima, onde a moça, sempre à frente da câmera, está se divertindo com seus amigos por aí. Confere:

Música: Saint Etienne - "Tonight"

2012-01-24T16:01:00.000-02:00

O grupo de música eletrônica Saint Etienne, que marcou o começo dos anos 90 com alguns discos memoráveis, retornará em 2012 com um novo álbum, o primeiro em sete anos. O single "Tonight", que estará presente na obra ainda sem nome ou data de lançamento, foi liberado na rede pra audição - um electropop charmoso e atual, que não se leva tão à sério e por isso mesmo consegue ser agradável - pense em Robyn se você quiser uma referência mais próxima, vale o play:

Clipe: Sleigh Bells - "Comeback Kid"

2012-01-24T12:36:00.003-02:00

O noise pop exageradamente pop e contagiante de "Comeback Kid", novo single do Sleigh Bells, ganhou um clipe que faz jus ao ar divertido e rápido da música. O vídeo dirigido pelo próprio Derek Miller com ajuda do Gregory Kohn é o esperado do Sleigh Bells, uma colagem de imagens onde o duo fica posando com cara de encrenqueiros e usando roupas que só ajudam o climão badass-fashion, incluindo uma Alexis Krauss loira, segurando um rifle numa cama e um Derek usando uma camisa do In Utero. Assista:

Vivendo do Ócio - O Pensamento é um Imã (2012)

2012-01-23T20:02:00.000-02:00

Artista: Vivendo do Ócio

Disco: O Pensamento é um Imã

Ano: 2012

Origem: Brasil

Gênero: Rock

Gravadora: Deck

Pra Testar: "Silas" e "Nostalgia"

Se destacar no cenário musical nacional é sempre uma grande dificuldade para artistas novos. Por ser saturado demais, ou por não ser dado o devido valor aos grupos criados em nosso país, muitos desses artistas se perdem no meio do caminho. Ou vivem sempre no underground.

Talvez o grande pulo para se destacar no Brasil seja criar uma identidade musical própria. Não digo fazer algo 100% novo e revolucionário para a cena brasileira, mas ter um som que logo nos primeiros acordes, nas primeiras frases cantadas, o público consiga reconhecer a banda que está ouvindo.

Os baianos do Vivendo do Ócio parecem vir conseguindo isso com maestria desde o inicio de sua carreira a pouco mais de cinco anos. Criando uma identidade própria que consegue ornar toques de regionalismo, seja nas letras ou nas melodias, com o mais puro e energético rock alternativo. A banda acumula fãs e prêmios importantes, entre eles o de aposta da MTV no VMB de 2009.

“O Pensamento é um Imã” é o primeiro trabalho do quarteto depois de virar “aposta” e ganhar notoriedade no cenário musical nacional. O álbum que será laçado pela Deckdisc nas próximas semanas traz uma banda que explora mais afundo essa sua identidade musical.

Algumas letras do trabalho chamam atenção por trazer uma temática mais pessoal, como por exemplo, na música “Nostalgia” (uma das minhas favoritas no álbum). Que como o próprio nome já pode entregar traz uma letra com uma carga nostálgica. “Eu só queria tomar um vento na cara. Me deu saudade da Bahia. Eu só queria passar um tempo lá em casa. Me deu saudade da Bahia”. Ao exemplo de outras canções que parecem trazer uma reflexão interna nas melodias podemos citar a agradável “Dois Mundos” e a energética “O Mundo é um Parque”.

Outra canção que merece destaque pela tentativa de fazer algo diferenciado é “O Mais Clichê”. Nela o grupo deixa um pouco de lado o som forte e enérgico e canaliza a sua criatividade em uma música com um toque bem brasileiro.

Apesar do álbum buscar uma visão um pouco diferente do antecessor “Nem Sempre Tão Normal”, disco de 2009 que deu destaque ao grupo, ainda é possível encontrar aquela identidade que eu falei no inicio do texto. É impossível escutar algumas músicas como “Bomba Relógio”, “Radioatividade” e “Tudo Que Eu Quero” e eu não perceber que se trata de um trabalho do VdO.

“O Pensamento é um Imã” é muito bem trabalhado e produzido (produção feita por Rafael Ramos e Chuck Hipolitho). Consegue explorar ao extremo as características e capacidades musicais dos baianos, que amadureceram muito desde o último álbum de 2009. Além disso, o Vivendo do Ócio é mais uma banda que mostra que é possível fazer um trabalho sincero, interessante e independente no Brasil. Com certeza é um disco que vai manter o grupo na mesma crescente dos últimos anos.

Clipe: Cloud Nothings - "No Future/No Past"

2012-01-23T16:09:00.001-02:00

"No Future/No Past", o caos crescente e desesperador que abre o ótimo Attack On Memory do Cloud Nothings, recebeu um vídeo muito adequado, tão intenso e angustiante quanto a música. O clipe dirigido por John Ryan Manning mostra um velho homem levitando bem próximo ao chão e sendo arrastado, com câmeras variando entre cenas de cima e de baixo, onde a sensação de desespero vai aumentando junto com a faixa até cluminar no final extremamente bizarro. Taí um clipe que vale os minutos gastos:

Clipe: ASAP Rocky - "Wassup"

2012-01-23T15:46:00.000-02:00

O novo clipe do ASAP Rocky, pra atmosférica "Wassup", é um pesadelo terrível na visão do rapper que prefere levar tudo na brincadeira: ele vende a alma ao diabo, fica rico, egocêntrico e torra sua fortuna em mansões, carrões, dentes de ouro, bitches se pegando no banho, banheiras de champagne e por aí vai. Ainda tenho meu pé atrás com ele por achar seu rap fraco (a produção por outro lado é ótima), mas certamente é um cara com uma visão muito esquisita pro nicho. Confere: